Pour accompagner notre confinement

Le confinement auquel nous contraint le COVID19, nous empêche d'organiser ou d'assister à des concerts. En revanche, il nous laisse du temps pour écouter ou réentendre des œuvres qui sont autant de fenêtres pour élever notre esprit... tout en adoucissant nos mœurs!  

C'est dans cette intention que nous vous proposons quotidiennement ces pauses musicales qui sont adressées directement par courriel aux adhérents et donateurs de LAOC.

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Concert de Pentecôte 2020.

Nous vous proposons ce concert extrait d'un CD édité par les Amis des Orgues de Clairvaux les Lacs (Jura) pour l'inauguration de l'orgue.

Orgue et trompette baroque à Clairvaux Les Lacs

Orgue  Bernard Aubertin : Francis JACOB

Trompette baroque :Guy Ferber

Au programme, les pièces de : 

• Girolamo Fantini : Baletto detto l'Alfani, Aria detta la Truxes (O+T)
• Georg Friedrich Haendel : To God our king. (O+T)
• John Alcock : Voluntary en do majeur.(O+T)
• J.S. Bach : Suscepit Israël : extrait du Magnificat.(O+T)
• J.S.Bach : Choral "O Mensch bewein dein Sünde gross BWV622.(Orgue)
• G.F.Kauffmann : Herr Gott, dich loben alle wir.(O+T)
• G.F. Kauffmann : Nun lob mein Seel den Herren.(O+T)
• Nicolaus Bruhns : Prélude en sol majeur. (Orgue)

Dimanche 10 mai 2020 - 55ème et dernier jour du confinement

Une bataille a été gagnée mais hélas, pas encore la guerre! Plus que jamais, faisons notre cette maxime de Guillaume d'Orange:

 "Point n'est besoin d'espérer pour entreprendre ni de réussir pour persévérer".

Nous achevons ainsi les retransmissions de nos chroniques musicales en espérant que vous avez pris autant de plaisir à les écouter que nous-mêmes à les préparer.

Ce dernier programme est conçu comme un message de joie, d'espérance et de fraternité:

Queen - We are the champions on church organ

Orgelvorspiel - Imagine (John Lennon, 1971)

Chœur de Radio France - Symphonie n°9: « Ode à la joie » (Beethoven/Karajan) @ Concert de Paris 2016

A bientôt et surtout, ne baissons pas notre garde ... continuons à nous protéger en respectant scrupuleusement les gestes barrière. C'est ainsi que nous protégerons ceux qui nous entourent, nos proches comme nos sœurs et frères en humanité!

Samedi 9 mai 2020 - 54ème jour du confinement et J-2 de sa fin

Avant de clôturer notre parcours musical COVID-19, nous faisons un détour par l'Angleterre des années 60  marquées par le succès planétaires des Beatles.

The Beatles est un groupe de pop et de rock'n'roll, originaire de Liverpool, en Angleterre. Le noyau du groupe s'assemble dans les Quarrymen en 1957, adopte son nouveau nom en 1960 et, à partir de 1962, prend sa configuration définitive, composé de John Lennon, Paul McCartney, George Harrison et Ringo Starr. Il est considéré comme le groupe le plus populaire et influent de l'histoire du rock. En dix ans d'existence et seulement sept ans d'enregistrement (de 1962 à 1969)a, les Beatles ont enregistré douze albums originaux et composé près de 200 chansons majoritairement écrites par le tandem Lennon/McCartney, dont le succès dans l'histoire de l'industrie discographique reste inégalé. Les Beatles demeurent les artistes ayant vendu le plus grand nombre de disques au monde. Ce chiffre était estimé par EMI dans les années 1980 à plus d'un milliard de CD et vinyles vendus à travers la planète, et il a continué à augmenter durant les décennies suivantes, atteignant un chiffre supérieur à deux milliards. Tenant une place de premier plan dans la « bande-son » des années 1960, les chansons des Beatles sont toujours jouées et reprises dans le monde entier, et leurs mélodies ont été adaptées à de nombreux genres musicaux, dont le jazz, la salsa, le reggae ou la musique classique.

Jürg Lietha improvises on "Eleanor Rigby" (The Beatles)

Hey Jude (Theme from Beatles) - Pipe organ improvisation

All you need is love on pipe organ - improvisation 2015

Yesterday a l'Orgue - Beatles - per José L. García Mallada .flv

"Let it be" von Paul McCartney

En bonus:

Billy Preston - My Sweet Lord (Live) by George Harrisson

Paroles traduites en français 

Vendredi 8 mai 2020 - 53ème jour du confinement et J-3 de sa fin.

Après l'Amérique, transportons nous vers le continent africain:

• Abdullah Ibrahim 

Abdullah Ibrahim, de son vrai nom Adolph Johannes Brand, connu également sous le pseudonyme de Dollar Brand (d'une marque de cigarettes populaires), né le 9 octobre 1934 au Cap (Afrique du Sud), est un pianiste de jazz et compositeur sud-africain.

La musique d'Abdullah Ibrahim est intimement liée à la lutte pour la défense des peuples sud-africains contre l'apartheid, à l'histoire de la musique noire. Elle peut prendre trois différentes formes. La première, une musique « sociale » innocemment euphorique issue de son enfance passée dans le pays ; une autre, intense, basée sur le piano et le blues, liée harmoniquement à Duke Ellington et à Thelonious Monk dans sa texture, qui ressort de ses années passées à New York et une dernière forme représentant un retour aux traditions africaines indigènes, tant rurales qu'urbaines. Ces trois aspects de son œuvre s'inter-pénètrent souvent et il atteint la grâce lorsqu'il parvient à faire s'entremêler ces différentes couleurs musicales.

Abdullah Ibrahim -  "The Wedding" - Asperup Church in Denmark

• Fela Sowande

Musicien, compositeur, professeur et chef d'orchestre, Fela Sowande est né en mai 1905 à Abeokuta, au Nigéria. Il était le fils d'Emmanuel Sowande, qui était un prêtre anglican et influent dans le développement de la musique sacrée nigériane. Fela Sowande était musicien et compositeur  de musique dans le style européen classique. Ses œuvres orchestrales incluent Sketches Six pour Full Orchestra , Symphonie Folk et African Suite pour orchestre à cordes , et présentent des caractéristiques rythmiques et harmoniques africaines. Le dernier mouvement de l' African Suite est connu au public canadien comme thème d'une émission populaire de Radio - Canada et est maintenant une norme orchestrale canadienne.. Il est décédé en 1987 à Ravenna, Ohio,  des complications associées à un accident vasculaire cérébral.

No. 3. Joshua - African suite

No. 5. Obangiji - African suite

• Akin Euba et  Kwabena Nketia

Akin Euba (né Olatunji Akin Euba le 28 avril 1935 à Lagos et mort le 14 avril 2020) est compositeur, musicologue et pianiste nigérian.Ses compositions sont une synthèse entre la matière musicale traditionnelle africaine (souvent de son propre groupe ethnique, les Yoruba) et la musique classique contemporaine. Sa composition la plus ambitieuse est l'opéra Chaka: An Opera in Two Chants (1970), qui utilise des percussions d'Afrique de l'Ouest et des flûtes atenteben dans un système dodécaphonique.

Joseph Hanson Kwabena Nketia , GM , MSG (22 juin 1921 - 13 mars 2019) était un ethnomusicologue et compositeur ghanéen . Considéré comme le premier musicologue d'Afrique, de son vivant, il a été qualifié de «légende vivante» et «facilement l'autorité la plus publiée et la plus connue sur la musique et l'esthétique africaines dans le monde» , avec plus de 200 publications et 80 compositions musicales à son crédit.

"Wakar Duru" - Akin Euba / "Volta Fantasy" - JH Kwabena Nketia

Jeudi 7 mai 2020 - 52ème jour du confinement et J-4 de sa fin

Retour dans l'univers du Rock:

• Concert ROCK THE ORGAN (Extraits d'oeuvres) présenté lors du Festival Toulouse les Orgues 2016.

 Au programme: 

ELM (Fanfare): elm existe depuis que Elodie Ozanne et Manuel Bienvenu enregistrent ensemble leurs propres compositions. Ils débutent en 1997 en produisant eux-mêmes leur premier enregistrement cassette (Le bruit des autres portes, 1997) puis en accédant à la production indépendante de Boris Persikoff (pop-corn) pour enregistrer un premier disque en studio (elm, 1998).

PINK FLOYD (Shine on your crazy Diamonds): Pink Floyd est un groupe rock britannique originaire de Londres, en Angleterre. Le groupe a débuté avec un premier album de musique psychédélique pour ensuite bifurquer vers le rock progressif. Formé en 1965, il est considéré comme un pionnier et un représentant majeur de ces styles musicaux. Il est reconnu pour sa musique planante et expérimentale, ses textes philosophiques et satiriques, ses albums-concept et ses performances en concert originales et élaborées.

FRANK ZAPPA (RDNZL): Frank Vincent Zappa, né le 21 décembre 1940 à Baltimore et mort le 4 décembre 1993 à Los Angeles, est un compositeur, musicien, guitariste, producteur et satiriste américain. Ses travaux concernent plusieurs genres musicaux distincts : rock, jazz et contemporaine, avec un lien vers la musique concrète. Auteur-compositeur-interprète autodidacte, Frank Zappa s'est ouvert à plusieurs influences musicales : sa musique, faite d'expérimentations dans de multiples styles musicaux, s'avére difficile à classifier dans un genre distinct.

KING CRIMSON (RED): King Crimson est un groupe rock progressif britannique, originaire de Londres, en Angleterre. Avec des albums tels que In the Court of the Crimson King (1969) ou Red (1974), il est considéré comme l'un des représentants majeurs du rock progressif. La composition du groupe a continuellement changé tout au long de son histoire. Pour Robert Fripp son seul membre permanent, King Crimson est avant tout « une façon de faire les choses », une constance musicale qui a persisté à travers l'histoire du groupe.

PAT METHENY (First Circle): Patrick Bruce Metheny, né le 12 août 1954 à Lee's Summit dans le Missouri aux États-Unis, est un guitariste américain de jazz et leader du Pat Metheny Group. Une partie des critiques de jazz a longtemps eu tendance à scinder son œuvre en deux branches : celle de Pat Metheny, jazzman, et celle de Pat Metheny, leader du « Pat Metheny Group ». À une sorte de « Docteur Jekyll », jazzman académique ouvert à des expériences variées, ils opposaient un « Mister Hyde », musicien prospectif et plus commercial.

ROCK THE ORGAN (F.Zappa, Pink Floyd, ELM, K.Crimson, P.Metheny)

 Yves Rechsteiner, orgue, Henri-Charles Caget, percussion, Frédéric Maurin, guitare électrique

Yves Rechsteiner, né en 1969 à Yverdon-les-Bains dans le canton de Vaud, est un claveciniste et organiste suisse, professeur de basse continue et chef du département de musique ancienne depuis 1995 au Conservatoire national supérieur de musique et de danse de Lyon. Il devient directeur artistique du festival Toulouse les Orgues fin 2013, succédant à Michel Bouvard, l'un de ses deux fondateurs. On compte parmi ses élèves : Benjamin Righetti, Florence Monzani, Caroline Huynh Van Xuan, Sébastien Daucé, Vincent Bernhardt, Chiao Pin Kuo...

• Ray Manzarek (DOORS)

Raymond Daniel Manczarek Jr., dit Ray Manzarek (né le 12 février 1939 à Chicago, États-Unis, et mort le 20 mai 2013 à Rosenheim, en Allemagne) est un musicien américain, cofondateur et claviériste du groupe The Doors. Il étudie le cinéma à l'université de Californie à Los Angeles (UCLA) et fait la connaissance d'un autre étudiant, Jim Morrison, sur la plage de Venice en 1965. Après avoir écouté les textes de Morrison, Manzarek lui propose de fonder un groupe de rock afin de les mettre en musique. Manzarek rencontre le batteur John Densmore et le guitariste Robby Krieger lors d'une conférence sur la Méditation transcendantale. Densmore dit : « Il n'y aurait pas eu The Doors sans Maharishi. ». Ils fondent ensemble avec Morrison le groupe The Doors, leur nom fait référence à l'ouvrage Les Portes de la perception (The Doors of Perception) de l'écrivain Aldous Huxley, dont le titre est inspiré d'une citation du poète mystique William Blake.

Light My Fire - Ray Manzarek's Solo (Live Hollywood Bowl 1968)

• Freddie Mercury (QUEEN)

Freddie Mercury, né Farrokh Bulsara le 5 septembre 1946 à Stone Town, dans le protectorat de Zanzibar, et mort le 24 novembre 1991 à Londres, est un auteur-compositeur-interprète et musicien britannique, cofondateur en 1970 et chanteur-pianiste du groupe de rock Queen, au sein duquel il a établi sa réputation internationale, en compagnie du guitariste Brian May, du batteur Roger Taylor et du bassiste John Deacon, tous auteurs-compositeurs comme lui.

Bohemian Rhapsody Queen on church organ played by Bert van den Brink

Mercredi 6 mai 2020 - 51ème jour du confinement et J-5 de sa fin.

Cap sur l'Amérique du Sud:

• Villa Lobos 

Heitor Villa-Lobos1 est un compositeur brésilien né à Rio de Janeiro le 5 mars 1887 et mort dans la même ville le 17 novembre 1959. Villa-Lobos est un compositeur extrêmement prolifique. Son catalogue approche les 1300 numéros.

Son style est unique, et combine des influences européennes, notamment celle de J.-S. Bach, compositeur favori de Villa-Lobos, avec des sources de musique traditionnelle brésilienne.

L'ouvrage le plus populaire de Villa-Lobos est la Bachiana brasileira n° 5, pour voix et 8 violoncelles, mais également jouée par beaucoup d'autres formations instrumentales. La musique pour guitare seule, comprenant les préludes, les études et le Choro venant en deuxième dans les œuvres les plus populaires. La musique la plus importante est contenue dans les Choros, les Bachianas brasileiras et la série de quatuors à cordes, ainsi que dans de nombreuses pièces pour piano solo – comme le Choro 5 et la Bachiana Brasileira 4, par exemple — très prisées par les pianistes et le public. Des musiciens de jazz jouent sa musique.

Villa-Lobos Heitor Cantilena Flute & Organ transcription

• José Pablo Moncayo

José Pablo Moncayo García est un pianiste et compositeur mexicain né à Guadalajara le 29 juin 1912 et mort à Mexico le 16 juin 1958. Son œuvre la plus connue reste Huapango écrite en 1941, en pleine période romantique du renouveau nationaliste mexicain. Il est un disciple des compositeurs José Gerardo Chávez, Candelario Huízar et Aaron Copland. 

 HUAPANGO del Mtro. José Pablo Moncayo, interpretada por el Mtro. Aldo Delgadillo.

Suivi de la version orchestrale interprétée par l'Orchestre de Paris

• Astor Piazzolla

Astor Piazzolla, né le 11 mars 1921 à Mar del Plata et mort le 4 juillet 1992 à Buenos Aires, est un compositeur et bandonéoniste argentin. Il est considéré comme le musicien le plus important de la seconde moitié du xxe siècle pour la musique de tango.

Les « Quatres saisons » de Piazzolla ne sont pas des saisons au sens météorologique du terme. Dans le titre (Las Cuatro Estaciones Porteñas), l'auteur précise qu'il s'agit de différentes périodes de la vie d'un habitant de la périphérie de la capitale Buenos Aires. Dans la pratique des concerts de cette œuvre, la tradition est différente - le titre est généralement traduit dans son sens « Les saisons de Buenos Aires », et non « Le changement de saisons dans la vie d'un pauvre habitant des banlieues de Buenos Aires ». La pièce plonge donc ses racines dans la description, ou plutôt la mise en musique, des vies précaires des habitants des bidonvilles de Buenos Aires dans les années 1960-1970.

Astor Piazzolla's "Verano Porteño" for Organ

Mardi 5 mai 2020 - 50ème jour du confinement et J-6 de sa fin.

Après la Scandinavie, nous traversons l’atlantique, direction l'Amérique du Nord:

• George Gershwin

Né en 1898 à New-York, dans une famille juive prolétarienne originaire de Saint-Pétersbourg, George Gershwin fait ses débuts comme pianiste d'orchestre à Broadway. Son frère, Israël dit « Ira », parolier, écrit la plupart des textes de ses chansons que s'arrachent bientôt Al Jolson, Fred Astaire, Ginger Rogers ou le producteur Florenz Ziegfeld. Créateur du jazz symphonique, il fait triompher ses comédies musicales. À New York, le 7 mars 1928, il rencontre Maurice Ravel. À Vienne, il se lie d'amitié avec Alban Berg. Véritable star, côtoyant des femmes célèbres de son époque (Paulette Goddard, Simone Simon) ami d'Arnold Schönberg, il s'installe à Hollywood pour composer des partitions cinématographiques ou des chansons populaires. Bon nombre de ses œuvres sont devenues de grands standards de jazz grâce notamment à Ella Fitzgerald, Louis Armstrong, Herbie Hancock et de nombreux autres chanteurs ou acteurs. Il meurt à 38 ans d'une tumeur cérébrale. (Source: Wikipédia)

Rhapsody In Blue for Organ - George Gershwin, Transcribed by Jesse Crawford

• Samuel Barber

Samuel Osborne Barber, né le 9 mars 1910 à West Chester en Pennsylvanie, commence à composer dès l'âge de sept ans. Il étudie à l'Institut Curtis à Philadelphie avant de devenir élève de l'Académie américaine de Rome en 1935. L'année suivante, il écrit son quatuor à cordes en si mineur, dont il arrangera plus tard le second mouvement — à la suggestion d'Arturo Toscanini — pour orchestre à cordes sous le nom Adagio for Strings, puis pour chœur sous le nom d'Agnus Dei ; ce mouvement deviendra très populaire.

La popularité de l'Adagio a quelque peu occulté le reste de son œuvre. Aucune de ses autres pièces n'a connu le même succès, mais certaines sont régulièrement jouées et enregistrées. Toutefois, Barber est considéré comme l'un des plus talentueux compositeurs américains du xxe siècle.

Il a évité les expérimentations de ses contemporains, préférant des harmonies et des formes plus traditionnelles. Son œuvre est mélodique et souvent décrite comme néo-romantique, bien que certaines de ses œuvres ultérieures, notamment le Third Essay for Orchestra et la Medea's Dance of Vengeance, fassent montre d'une utilisation magistrale d'effets percussifs, de modernisme et d'effets néo-stravinskiens. Il meurt à New York à 71 ans. (Source: Wikipédia)

S. Barber - Adagio for Strings (Jens Korndörfer, Organ)

Enregistré en concert à la Cathédrale de Paderborn le 22 juin 2018, sur les trois orgues (total de IV/151) construits par Siegfried Sauer (1979/81, agrandi 2004/05) et Anton Feith jr.(1948/52 et 1971).

• Leonard Bernstein

Leonard Bernstein, né Louis Bernstein le 25 août 1918 à Lawrence (Massachusetts) et mort le 14 octobre 1990 à New York, est un compositeur, chef d'orchestre et pianiste américain. Il est notamment l'auteur de la partition de la comédie musicale West Side Story et fut durant onze années le directeur de l'Orchestre philharmonique de New York.

Compositeur prolifique, il est l'auteur de trois symphonies, deux opéras, parmi un très grand nombre d'autres œuvres. Mais ce qui caractérise principalement Bernstein, c'est son aisance à passer d'un style à l'autre : du jazz (West Side Story, Wonderful Town), au blues-gospel (Mass), en passant par certaines pointes de dodécaphonisme (dans ses premières œuvres, cependant reniées par la suite).  (Source: Wikipédia)

Tonight (West Side Story)- Ensemble II HD

Lundi 4 mai 2020 - 49ème jour du confinement et J-7 de sa fin.

Aujourd'hui, cap sur la Scandinavie:

• Edvard Grieg

 Edvard Hagerup Grieg (né le 15 juin 1843, à Bergen et mort le 4 septembre 1907 dans la même ville) est un compositeur et pianiste norvégien de la période romantique. Sa découverte en 1863 du folklore norvégien et de ses danses paysannes en fera toute sa vie un militant inépuisable d'un art musical national. Grand harmoniste (auquel ne seront pas indifférents Claude Debussy ou Maurice Ravel), maître de la petite forme (pièces pour piano), il composera ses œuvres les plus célèbres dans le domaine orchestral comme le Concerto pour piano en la mineur, et Peer Gynt, musique de scène composée pour le drame d'Henrik Ibsen.

L'histoire de Peer Gynt peut se résumer ainsi : un anti-héros, prétentieux et aventureux, part défier le vaste monde et rate tout ce qu'il entreprend avant de découvrir, seulement à la fin, la vérité de la solitude de son unique individu. L'amertume apparente qui s'en dégage semble rejoindre le ton dur des autres travaux d'Ibsen, centrés sur une critique sociale incisive. S'enfermer dans une recherche de son identité insaisissable, n'est-ce pas à chaque instant se juger et se condamner ? (Source: Wikipédia)

Edvard Grieg - Peer Gynt - Suite No. 1, Op. 46 (Ernst-Erich Stender)

Edvard Grieg - Solveigs Sang (Peer Gynt Suite) on Organ

• Jean Sibelius

Jean Sibelius (né Johan Julius Christian Sibelius), né le 8 décembre 1865 à Tavastehus, dans le grand-duché de Finlande et mort le 20 septembre 1957 à Järvenpää, près d'Helsinki, est un compositeur finlandais de musique classique. Il est, avec Johan Ludvig Runeberg, l'un des Finlandais qui symbolisent le mieux la naissance de l'identité nationale finlandaise. Mais Sibelius, dont on exagère souvent le nationalisme et l'enracinement dans la tradition musicale finlandaise, fut au contraire attentif aux révolutions musicales qui marquèrent l'Europe de son temps, et même si son style demeure profondément original, on peut y entendre l'écho des œuvres de Wagner, de Debussy ou de Tchaïkovski.

Karelia est une musique de scène écrite en 1893.Son nom fait référence à la Carélie, région située en bordure de la Finlande et de la Russie. (Source: Wikipédia)

Jean Sibelius - Karelia Suite - Alle marcia 

• Hugo Alfvén

Hugo Alfvén est un compositeur, chef d'orchestre, violoniste et peintre suédois, né à Stockholm le 1er mai 1872 et mort à Falun le 8 mai 1960. Il est surtout connu pour ses symphonies et ses Rhapsodies suédoises, dont la première, Midsommarvaka (Nuit de la Saint-Jean), est célèbre. Son œuvre comporte plus d'une centaine de pièces dont cinq symphonies, trois rhapsodies suédoises, plusieurs chants et pièces pour piano et de nombreuses pièces pour chœurs et orchestre ou a cappella.  Son oeuvre est influencée par la musique populaire, le compositeur s’étant installé à Uppsala, non loin de la Dalécarlie, région étroitement associée à la tradition du folklore musical suédois authentique. Ce folklore prédomine dans la pétillante Danse de la Bergère (Vallflickans dans). (Source: Wikipédia)

Danse de la bergère (Vallflickans dans)  de Hugo Alfvén 

Dimanche 3 mai 2020 - 48ème jour du confinement et J-8 de sa fin.

• Franz Schubert (1797-1828) 

Franz Schubert est un compositeur autrichien né le 31 janvier 1797 à Lichtental (dans la banlieue de Vienne), et mort à Vienne le 19 novembre 1828.

 En moins de 32 ans, Schubert fut un compositeur prolifique, écrivant quelque 600 Lieder, dix symphonies complètes ou presque complètes, de la musique liturgique, des opéras, de la musique fortuite et un large corpus de musique de chambre et de piano solo. L'appréciation de sa musique de son vivant était limitée à un cercle relativement restreint d'admirateurs à Vienne, mais l'intérêt pour son travail a augmenté de manière significative au cours des décennies immédiatement après sa mort. Felix Mendelssohn, Robert Schumann, Franz Liszt, Johannes Brahms et d'autres compositeurs du XIXe siècle ont découvert et défendu ses œuvres. Aujourd'hui, Schubert est classé parmi les plus grands compositeurs du début de l'ère romantique et, à ce titre, est l'un des compositeurs les plus joués du début du XIXe siècle.

Serenade by Valentina Maria Baginska

• Johann Strauss II (1825 - 1899)

Johann Strauss II, dit Johann Strauss fils (Johann Strauss Sohn) ou Johann Strauss le jeune, est un compositeur autrichien né le 25 octobre 1825 à Vienne où il est mort le 3 juin 1899.

On lui doit en particulier de la musique de danse et des opérettes. Il a composé plus de 500 valses, polkas, quadrilles, et d'autres types de musique de danse, ainsi que plusieurs opérettes et un ballet. 

Le Beau Danube bleu (An der schönen blauen Donau, en allemand) op. 314, est une célèbre valse viennoise pour orchestre symphonique. Considérée comme un second hymne de Vienne et de l'Autriche, elle est également une des musiques de film les plus célèbres de l'histoire du cinéma avec sa reprise de 2001, l'Odyssée de l'espace de Stanley Kubrick en 1968.

 THE BLUE DANUBE - STRAUSS II - JONATHAN SCOTT (ORGAN) - THE BRIDGEWATER HALL, MANCHESTER

• La Marche de Radetzky (1848)

La Marche de Radetzky (en allemand : Radetzky-Marsch) est une célèbre marche militaire viennoise de Johann Strauss père composée en 1848 en l'honneur du Feld-maréchal autrichien Joseph Radetzky von Radetz, vainqueur de la bataille de Custoza contre les Piémontais en 1848 mais aussi fer de lance de la réaction qui suivit le Printemps des peuples et mit en place le système de Bach auprès du jeune empereur François-Joseph Ier d'Autriche. Particulièrement appréciée des Viennois, une version de concert est traditionnellement interprétée à la clôture du Concert du nouvel an donné par l'Orchestre philharmonique de Vienne.La première fois que la marche fut jouée devant les officiers autrichiens, ces derniers ont spontanément commencé à taper la pulsation de la musique avec leurs mains et leurs pieds à l'écoute du refrain. Cette tradition est toujours maintenue de nos jours par le public connaissant la coutume, notamment lorsque ce morceau est joué lors de concerts à Vienne.

Radeztky" March - John Hong - Organ Transcription 

Samedi 2 mai 2020 - 47ème jour du confinement et J-9 de sa fin

Aujourd'hui, direction l'Italie et ses compositeurs prestigieux tels que Rossini, Verdi ou Puccini:

• Allegro de l'ouverture de Guillaume Tell de  Gioacchino rossini

Gioachino Rossini est un compositeur italien né le 29 février 1792 à Pesaro (alors dans les États pontificaux) et mort le 13 novembre 1868 à Passy, Paris. Comptant parmi les plus grands compositeurs du xixe siècle, par l'importance et la qualité de son répertoire, son nom se rattache surtout à l'opéra : ses œuvres les plus populaires sont encore de nos jours Le Barbier de Séville, La Cenerentola (d'après Cendrillon), La Pie voleuse, L'Italienne à Alger, Le Turc en Italie et Guillaume Tell. Il a aussi laissé des œuvres de musique sacrée, notamment un Stabat Mater et une Petite messe solennelle composée dans ses dernières années.

Gioacchino Rossini - Wilhelm Tell

•  Marche triomphale d'Aïda de Guseppe Verdi

Giuseppe Fortunino Francesco Verdi [d?u'z?ppe fortu'nino? fran't??esko 'verdi]1, né Joseph Fortunin François Verdi le 10 octobre 1813 à Roncole et mort le 27 janvier 1901 à Milan, est un compositeur romantique italien. Son œuvre, composée essentiellement d’opéras, unissant le pouvoir mélodique à la profondeur psychologique et légendaire, est l'une des plus importantes de toute l'histoire du théâtre musical.

Giuseppe Verdi - Triumphal March from "Aida"

• "Nessun dorma"  tiré de l'opéra Turandot de Giacomo Puccini

Giacomo Antonio Domenico Michele Secondo Maria Puccini, né le 22 décembre 1858 à Lucques dans le grand-duché de Toscane et mort le 29 novembre 1924 à Bruxelles, est un compositeur italien. Il est considéré comme l'un des plus grands compositeurs de la fin du xixe siècle et du début du xxe siècle.

Puccini: NESSUN DORMA aus Turandot, Miklós Árpás Orge

Vendredi 1er mai 2020 - 46ème jour du confinement et J-10 de sa fin

En ce 1er Mai, nous vous proposons de remonter à la source du Blues avec comme guide Francis Cabrel et sa chanson 100 ans de plus:

• Charley Patton

Charlie Patton, mieux connu sous Charley Patton (né à Bolton dans le Mississippi en 1891 et mort à Indianola également dans le Mississippi le 28 avril 1934) était un guitariste et chanteur de Delta blues américain. Patton est aujourd’hui considéré comme le « père du delta blues » et est une des figures antérieures les mieux connues de la musique populaire américaine.

Charlie Patton - '34 Blues - Remastered

CHARLEY PATTON - Running Wild (1929, Grafton) Country Song . Delta Blues Legend

• Blind Lemon Jefferson

Lemon Henry Jefferson, dit Blind Lemon Jefferson, né le 24 septembre 1893 à Coutchman (en) au Texas et mort le 19 décembre 1929 à Chicago, est un chanteur et guitariste de blues américain. Il reste un des chanteurs de blues les plus populaires des années 1920. En tout, sa carrière en studio ne dépasse pas trois ans

Blind Lemon Jefferson - See That My Grave Is Kept Clean

Shuckin' Sugar Blues

• Ma Rainey

Gertrude « Ma » Rainey (Gertrude Malissa Nix Pridgett, Mrs Rainey) est l'une des premières chanteuses de blues américaines connues, née à Colombus (Géorgie) le 26 avril 1886 et morte à Memphis (Tennessee) le 22 décembre 1939. Elle fut surnommée « la Mère du Blues ». Elle fit beaucoup pour développer et populariser le blues, et eut une influence décisive sur les générations suivantes de chanteuses de blues (telles Bessie Smith) et sur leur carrière.

Ma Rainey - See See Rider

Chain Gang Blues (Remastered 2017)

• Robert Johnson

Robert Leroy Johnson, né le 8 mai 1911 à Hazlehurst, Mississippi, et mort le 16 août 1938 à Greenwood, Mississippi, est un guitariste et chanteur de blues américain. Bien qu'il ait commencé à enregistrer des disques deux ans seulement avant sa mort, Robert Johnson est devenu une légende et une grande source d'inspiration pour des artistes comme Jimi Hendrix, Jimmy Page, Bob Dylan, Brian Jones, Keith Richards ou encore Eric Clapton. En 2003, le magazine Rolling Stone l'a classé cinquième meilleur guitariste de tous les temps.

Sweet Home Chicago (SA.2582-1) · Robert Johnson

"Sweet Home Chicago" (Buddy Guy, Eric Clapton, Johnny Winter, Robert Cray, Hubert Sumlin...)

• Muddy Waters

McKinley Morganfield (né à Rolling Fork, Mississippi le 4 avril 19131 – mort le 30 avril 1983)2,3, plus connu sous le nom de Muddy Waters, est un musicien américain de blues. Il est l'une des figures historiques du Chicago blues. Les Rolling Stones ont choisi leur nom à cause de la chanson de Waters, Rollin Stone, également connue sous le nom de Catfish Blues. Il est important de noter que le titre de cette chanson Rollin Stone se réfère, selon Muddy Waters, à la genèse même de la musique : "dès le moment où la Terre naquit, la musique aussi". Ainsi Rollin Stone, signifiant "pierre roulante", prend son fondement dans la collision entre les premières roches, émettant ainsi le tout premier son.

Muddy Waters - Rollin' Stone - Remastered

Nous nous quittons avec le grand Armstrong: Louis Armstrong - Go Down Moses (Lyrics)

Jeudi 30 avril 2020 - 45ème jour du confinement

 Nous proposons aujourd'hui  la "crème " des organistes rock:

• Rick Wakeman

Richard Christopher Wakeman dit Rick (né le 18 mai 1949 à Perivale) est un claviériste et compositeur britannique. Il s'est fait connaître au sein des groupes rock progressif Strawbs et Yes avec son jeu de scène flamboyant (sa fameuse cape) et poursuit depuis le début des années 1970 une carrière solo prolifique comptant plus d'une centaine d'albums. Il est aussi présentateur radio et télé, acteur et auteur.

Rick Wakeman Solo Medley ~ Live at Montreux [2003]

• Brian Auger et Julie Driscoll

Brian Auger (né le 18 juillet 1939 à Londres1) est un claviériste de jazz, d'acid jazz et de rock, jouant essentiellement de l'orgue Hammond. Avec Julie Driscoll, chanteuse de rock britannique populaire dans les années 1960 et 1970. et le groupe Trinity il enregistre de nombreux hits, notamment une reprise de Road to Cairo de David Ackles et This Wheel's on Fire de Bob Dylan.

Julie Driscoll, Brian Auger & Trinity - Road to Cairo 1968

• Rhoda Scott (voir aussi  chronique J20)

Rhoda Scott, est une organiste et chanteuse de jazz américaine née le 3 juillet 1938, à Dorothy, dans l'État du New Jersey. Surnommée « The Barefoot Lady » (la femme aux pieds nus), Rhoda possède un talent complet qui la rend aussi à l'aise dans la musique classique que dans le jazz, dans les gospels ou les blues. Douée d'une mémoire musicale exceptionnelle, elle connaît par exemple plus de mille morceaux par cœur et elle compose la majeure partie de son répertoire. D'ailleurs, elle ne s'impose jamais de programme pour une soirée et joue selon son inspiration du moment et surtout selon la réaction du public.

Rhoda Scott aime beaucoup la France et possède une propriété à Coulonges-les-Sablons dans l'Orne, où elle réside régulièrement. Elle est aussi la marraine du chœur de l'université du Mans, dirigé par Evelyne Béché. En 2010, à l'occasion du festival musical du Printemps des orgues, elle accompagne le Chœur des Mauges de Beaupréau sous la direction de Katika Blardone.

Moanin' - Rhoda Scott 1972

• Jon Lord (Deep Purple)

John Douglas Lord (9 juin 1941, Leicester – 16 juillet 2012, Londres) est un compositeur, pianiste et organiste britannique. Membre fondateur du groupe hard rock Deep Purple, il a également collaboré avec Whitesnake et produit de nombreuses compositions classiques.

Smoke on the Water est une chanson du groupe de hard rock britannique Deep Purple, coécrite par Jon Lord et parue en 1972 dans l'album Machine Head. Elle relate l'incendie du casino de Montreux survenu le 4 décembre 1971, dont le groupe a été témoin ; la « fumée sur l'eau » du titre est celle de la fumée qui se répand sur le lac Léman. Le riff de guitare de la chanson est l'un des plus célèbres de l'histoire du rock.

Deep Purple - Smoke On The Water (In Concert With The LSO)

Roger David Glover, né le 30 novembre 1945 à Brecon (Royaume-Uni), est un bassiste de rock, connu pour être membre du groupe Deep Purple. Il intègre le groupe en 1969. Il restera membre du groupe jusqu'en 1973. C'est lui qui aura l'idée du titre du morceau légendaire du groupe : Smoke on the Water. En 1974, il obtient son plus grand succès solo avec le titre Love is All. . Il est à nouveau membre du groupe lors de son retour en 1984. 

Ronnie James Dio & Deep Purple - Love Is All

Mercredi 29 avril 2020 - 44ème jour du confinement

Nous vous proposons d'aller à la rencontre de John Lee Hooker:

John Lee Hooker, né le 22 août 1917 à Clarksdale (Mississippi, États-Unis), et mort le 21 juin 2001 à Los Altos (Californie, États-Unis), est un guitariste et chanteur de blues américain. Son style, unique et authentique à la fois, en a fait l'un des artistes les plus importants de cette musique, et son influence sur le blues rock et le rock durant tout le XXe siècle est considérable.

John Lee Hooker est le dernier d'une famille pauvre de onze enfants. Durant sa prime enfance, il n'est exposé à la musique que sous la forme de chants religieux tels que le gospel, seule forme musicale que son père, pasteur, autorise à sa famille. Il ne se familiarise avec le blues qu'après la séparation de ses parents en 1921 et le remariage de sa mère avec Willie Moore, ouvrier agricole et bluesman à ses heures, qui lui apprend des rudiments de guitare. En 1923, son père meurt. À l'âge de 15 ans, John Lee fuit son foyer. Il ne reverra jamais ni sa mère ni son beau-père.

Après diverses péripéties, il s'installe en 1943 à Détroit, alors capitale de l'industrie automobile, dans l'intention d'y exercer un travail d'ouvrier. Dans le même temps, il tente de trouver des engagements de musicien dans les bars et les bordels de Hasting Street, le quartier des plaisirs de la ville. Il y connaît des débuts difficiles dus au manque de puissance sonore de son instrument : il faut parvenir à couvrir le bruit des consommateurs, voire des orchestres concurrents ! Il adopte donc très tôt les premières guitares électriques, qui permettent, grâce à leurs micros intégrés et à un amplificateur, de jouer plus fort que n'importe qui, et développe un style agressif et hypnotique. En 1948, il enregistre son premier disque, Boogie Chillen, dans un style rudimentaire, très proche de la parole, qui deviendra sa marque de fabrique. En février 1949, le titre se classe no 1 dans les charts R&B du Billboard magazine.

John lee Hooker Boogie Chillen

Les musiciens noirs étant très mal payés à cette époque, Hooker, malgré le succès de ses disques, est contraint de courir les studios et les contrats. Sa musique, très libre sur le plan rythmique, supportant mal l'accompagnement, il est le plus souvent enregistré seul, marquant le rythme à l'aide d'une planchette de contreplaqué fixée sous sa chaussure. En novembre 1951, I'm in the Mood se classe no 1 des charts R&B du Billboard, pendant quatre semaines de suite.

John Lee Hooker - "I'm In The Mood"

À la fin des années 1950, les temps sont durs pour les musiciens de blues américains comme John Lee Hooker : une partie du public noir se désintéresse de leur musique au profit du rhythm and blues, plus entraînant et dansant. Quant au public blanc, le marché très compartimenté de la musique aux États-Unis à cette époque-là, allié à la ségrégation, empêche son accès au blues. Au début des années 1960, le British blues boom vient changer tout cela : des musiciens anglais comme Alexis Korner, les Rolling Stones, Eric Clapton ou John Mayall redécouvrent le blues, le pratiquent, ont du succès aux États-Unis, et sortent de l'oubli quantité de musiciens de blues légendaires, dont Hooker. Fin 1961, il enregistre Boom Boom, qui rencontre le succès dès sa parution l'année suivante. 

John Lee Hooker - Boom Boom (Live Video)

 ou en version Blues Brothers avec un enregistrement en LIVE

En partie grâce à la première tournée de l'American Folk Blues Festival, en automne 1962, le public européen, avide d'authenticité, lui fait un triomphe dont lui-même, habitué à être ignoré par le public blanc des États-Unis, est stupéfait. John Lee Hooker acquiert la célébrité dans le monde entier, aux côtés d'autres grands musiciens fraîchement redécouverts comme Muddy Waters ou Howlin' Wolf. Dans les années 1970, comme eux, il démarre une carrière internationale fructueuse qui durera jusqu'à sa mort en 2001. Il se joint en 1989 à d'autres musiciens prestigieux tels que Carlos Santana et Keith Richards pour enregistrer l'album The Healer1, qui lui vaudra un Grammy Award du meilleur album de blues traditionnel. Il chante également plusieurs morceaux aux côtés de Van Morrison, dont The Healing Game et I Cover the Waterfront, et se produit avec lui sur scène. 

1997--The Healing Game--JOHN LEE HOOKER--ELADIO DIAZ 1960 mp3

Van Morrison & John Lee Hooker - I Cover The Waterfront

Mardi 28 avril 2020 - 43ème jour du confinement

Cap sur l'Espagne, aujourd'hui avec Narcisso Yepes ...

 Narciso Garcia Yepes, né à Lorca le 14 novembre 1927 et mort à Murcie le 3 mai 1997, est un guitariste espagnol. D'une famille paysanne modeste, Narciso obtient une guitare et retrouve des airs populaires dès son jeune âge. Il étudie au Conservatoire de Valence. Il fait la connaissance du chef d'orchestre Ataúlfo Argenta, avec qui il interprète en 1947 le Concerto d'Aranjuez de Joaquin Rodrigo. Il entame une grande carrière et enregistre des pièces pour piano d'Isaac Albéniz, Enrique Granados ou Manuel de Falla, transcrites pour la guitare.

Il a également été un des seuls guitaristes du xxe siècle à utiliser couramment une guitare à dix cordes, avec laquelle il a enregistré de nombreuses transcriptions de musique espagnole avec la mezzo-soprano Teresa Berganza. Le compositeur français Maurice Ohana fut aussi très intéressé par cet instrument et composa de nombreuses œuvres pour celui-ci.

• Recuerdos de la Alhambra / Narciso Yepes

Recuerdos de la Alhambra Écouter (« Souvenirs de l'Alhambra ») est une œuvre de guitare classique écrite en 1896 à Grenade par Francisco Tárrega et est une des plus connues du compositeur. Elle est basée sur l'utilisation du trémolo, technique importante dans la guitare classique.

• Narciso Yepes - Romance - Jeux interdits - Guitare

Il a connu une grande popularité grâce à son interprétation de la musique du film Jeux interdits (1952). Il s'agissait dans ce film de plusieurs pièces transcrites comme celles de Robert de Visée ou de Jean-Philippe Rameau, choisies et interprétées comme celle de Napoléon Coste ou comme la fameuse romance qui a fini par porter le nom du film pour le public. Cette romance lui a souvent été attribuée dans les médias, alors qu'il s'agit en réalité d'une pièce publiée par Daniel Fortea avec la mention « anonyme » et dont la source est en fait une œuvre manuscrite de Fernando Sor à peine remaniée.

• Narciso Yepes - Concierto de Aranjuez

Le Concierto de Aranjuez tire son nom des jardins du palais royal d'Aranjuez, initialement construit pour Philippe II d'Espagne, et notablement remanié au milieu du xviiie siècle pour Ferdinand VI d'Espagne. Joaquín Rodrigo a souhaité que son concerto transporte l'auditeur dans un autre espace et un autre temps. Il dit que son œuvre capture « les fragrances des magnolias, le chant des oiseaux, et les ruissellements des fontaines » du jardin d'Aranjuez. Il fut composé en 1939 à Paris.

Lundi 27 avril 2020 - 42ème jour du confinement

Dmitri Dmitrievitch Chostakovitch, né le 12 septembre 1906 (25 septembre 1906 dans le calendrier grégorien) à Saint-Pétersbourg dans l'Empire russe et mort le 9 août 1975 à Moscou en URSS, est un compositeur russe de la période soviétique. Il est l'auteur de quinze symphonies, de plusieurs concertos, d'une musique de chambre abondante, et de plusieurs opéras. Sa musique, accusée de formalisme par le pouvoir soviétique, contribue par sa force et son dramatisme souvent exacerbé à faire de Chostakovitch une figure majeure de la musique du xxe siècle.

• Valse N°2

La Valse no 2 ou Valse de Chostakovitch ou Sérénade-valse de Chostakovitch opus 99a, est une valse allegretto poco moderato pour orchestre symphonique, 7e des huit mouvements de sa Suite pour orchestre de variété n° 1 opus 50b, composée en 1956 par le compositeur russe Dmitri Chostakovitch (1906-1975). Elle est une de ses œuvres les plus célèbres, souvent jouée indépendamment (la Suite pour orchestre de variété n° 1 de 1956 est souvent confondue avec la Suite pour orchestre de jazz nº 2 de 1938).

Dmitri Shostakovich - Waltz Nr. 2

• Prélude extrait des 5 pièces pour 2 violons et piano (arrangement : 2 violons et orgue)

Les Cinq préludes sont extraits d'un recueil de 24 préludes (18 ont survécu) composés par Grigori Klements, Pavel Feldt et Dimitri Chostakovitch (n° 2, 3, 4, 15 et 18), étudiants en classe de composition au Conservatoire de Pétrograd.

Chostakovitch Prélude

Violons : Martine COSTENOBLE et Huguette MALAQUIN ; Orgue : Sr Marie-Véronique RUYSSEN. Concert du 13 août 2017, abbaye Notre Dame de Belloc, Urt, France.

• "Tahiti Trot"

Après que Chostakovitch et Nikolaï Malko aient écouté un vieux disque 78 tours du "Tea for Two" de Vincent Youman en 1927, Malko a parié à Dmitri 100 roubles qu'il ne pouvait pas proposer une orchestration de la chanson, entièrement de mémoire, en moins d'un heure. Chostakovitch est entré dans la pièce d’à côté  et est revenu 45 minutes plus tard, après avoir fait sa propre orchestration, et a dûment gagné le pari. Sous sa nouvelle apparence, la pièce s'appelait «Tahiti Trot» et la voici, comme jouée aux Proms de 1997 par le BBCPO sous Vassily Sinaisky.

Shostakovich "Tea for Two" ('Tahiti Trot') - Vassily Sinaisky conducts

Dimanche 26 avril 2020 - 41ème jour de confinement

 LAOC rend aujourd'hui hommage à Manu Dibango, surnommé Papagroove ou Papa Manu, décèdé le 24 mars 2020 à l'hôpital de Melun, six jours après avoir été hospitalisé des suites de la maladie à coronavirus Covid-19. Il a été inhumé le 27 mars dans le cimetière du Père-Lachaise.

• Emmanuel N’Djoké Manu Dibango voit le jour le 12 décembre 1933, à Douala (Cameroun). Ses parents sont originaires d’ethnies différentes (son père, fonctionnaire, est yabassi, sa mère, douala), ce qui ne convient pas à une société africaine structurée suivant des coutumes ancestrales. Sa famille, de confession protestante, lui fait quotidiennement fréquenter le temple, où sa mère dirige la chorale. On lui permet de suivre des études françaises, via la Sarthe, puis à Chartres et Reims, où il s’initie à la fois au jazz, à la mandoline, au piano, et au saxophone. C’est dans une colonie réservée aux petits camerounais que Manu croise Francis Bébey (futur et immortel créateur d’ « Agatha » et de « Si Les Gaulois Avaient Su… »).

Manu Dibango - Idiba (Fiesta)

(Deuxième version de cet immense classique de Francis Bebey interprétée par Manu Dibango)

• Out of Africa 

Après l’accession du désormais ex Congo Belge à l’indépendance (1960), son inspiration plonge pour le coup au plus profond de ses racines africaines, grâce au contact avec les futures élites zaïroises. De retour en France, Manu crée  son Big Band en 1967. Dibango travaille par la suite pour deux chanteurs croisés sur les plateaux de Pulsations, émission de télévision dédiée à la musique soul, jazz et funk  : Dick Rivers, et Nino Ferrer (pour lequel il joue tout d’abord de l’orgue Hammond, puis du saxophone, finissant par diriger son orchestre).

Manu Dibango - 02. Le Sud (2014)

• Soul Makossa

En 1972,  « Soul Makossa », plus gros tube continental de tous les temps, fait le tour du monde et offre l’Afrique au monde occidental, et leurs origines aux musiciens afro-américains. Issu d’une danse traditionnelle – le douala - le makossa reste la musique emblématique des trottoirs des grandes villes camerounaises. Accolée au terme de soul (qui tricote ce lien magique et mélodique entre rhythm and blues, blues, et jazz), la danse aspire à l’universel. 

Manu Dibango & Soul Makossa Gang @Jazz_in_Marciac 2019

• L’Afrique, le jazz, le rap, le monde

En 1982, son album Waka Juju consacre le retour à l’afro-sound.En 1984, l’album Surtention (et la production de Martin Messonnier) offre une rencontre inédite entre tradition africaine, et hip-hop. En 1985, c’est en invitant Bill Laswell et Herbie Hancock qu’il met la dernière main à Electric Africa. La même année, il participe également à l’action humanitaire Tam Tam pour l’Ethiopie.En 1986, l’album Afrijazzy rassemble entre autres Paul Personne, le trompettiste Hugh Masekela, ou Ray Lema.Le 14 mars 1986, Manu Dibango est décoré de la médaille des Arts et Lettres par le ministre de la culture française, Jack Lang.

Bushman Promenade

•  Puis, les enregistrements se multiplient (les reprises des classiques du répertoire dans Négropolitaines, une musique plus aventureuse avec Polysonic, un Live 91, entre autres en souvenir du Printemps De Bourges).Dibango anime ensuite une émission de télévision (Salut Manu), découvreuse de talents.En 1992, Manu Dibango enregistre WakafriKa, catalogue des plus grands succès de la musique africaine, avec l’aide d’éminents artistes du continent. Se succèdent en effet Angélique Kidjo, Papa Wemba, Youssou N’Dour, Salif Keita, ou King Sunny Adé. 

Manu Dibango, Papa Wemba & Angélique Kidjo - Ami oh

•  En 1996, l’album Lamastabastani est inspiré de la disparition de son épouse et muse Coco, l’année précédente.

L'hymne à l'amour 

Kamer Feeling (2001), B Sides (compilation d’anciens titres réenregistrés – 2002), un retour triomphal à Douala, un spectacle aux côtés de Ray Lema, la musique du film d’animation Kirikou et les bêtes sauvages (2005), et un album en hommage à Sydney Bechet et à une ville meurtrie – La Nouvelle-Orléans - (2007), démontrent que la créativité du septuagénaire était restée intacte. 

Il était et restera à jamais le plus français des musiciens africains. A moins que ce ne soit le contraire.

(Source: Universal Music France)

Salut l’artiste !

Manu Dibango - Ce soir au village (2001)

Samedi 25 avril 2020 - 40ème jour du confinement

Page consacrée à Loreto Aramendi, concertiste internationale et organiste titulaire du grand orgue Cavaillé-Coll (1863) de la basilique de Santa Maria del Coro de Saint Sébastien. Elle a donné de nombreux récitals dans des festivals internationaux aux États-Unis, Canada, Japon, Argentine, la Russie et dans la plupart des pays d’Europe. Elle a joué dans de prestigieux espaces tels que l’Ópera City Hall de Tokyo, l’Auditorium National de Madrid ( Bach-Vermut), Notre Dame de París, Hallgrímskikja en Reykjavik, la cathédrale Saint Patrick de New York, la Cathédrale de Moscou et l’Auditorium de Stavanger (Norvège) entre autres…Elle s’intéresse à la facture d’orgue et participe depuis 2014 à plusieurs chantiers de réparation et restauration d’orgues en France et en Espagne.

• Prélude en do# mineur de Rachmaninoff

Sergueï Vassilievitch Rachmaninov - usuellement désigné dans les pays francophones sous le nom de Serge Rachmaninoff -, né le 1er avril 1873 à Semionovo (Empire russe) et mort le 28 mars 1943 à Beverly Hills (États-Unis), est un compositeur, pianiste et chef d'orchestre russe, naturalisé américain.

Son œuvre est d'un romantisme hérité de ses modèles — Chopin, Tchaïkovski et Rimski-Korsakov — et reste indifférente à l'évolution de son époque. Il est notamment connu pour ses célèbres concertos pour piano no 2 et 3, son poème symphonique L'île des morts et sa Rhapsodie sur un thème de Paganini. Il a laissé plusieurs enregistrements de ses propres œuvres. (source: wikipédia)

Loreto Aramendi plays Prélude en do#m de Serguei Rachmaninov - Notre Dame - París.

• Le Choeur des pèlerins - Tannhaüser de Richard Wagner

Wilhelm Richard Wagner, né le 22 mai 1813 à Leipzig et mort le 13 février 1883 à Venise, est un compositeur, directeur de théâtre, écrivain, chef d'orchestre et polémiste allemand de la période romantique, particulièrement connu pour ses quatorze opéras et drames lyriques, dont les dix principaux sont régulièrement joués lors du Festival annuel qu'il a créé en 1876 et qui se déroule chaque été dans l'opéra de Bayreuth, conçu par lui-même pour l'exécution de ses œuvres. Il est aussi l'auteur de plus d'une vingtaine d'ouvrages philosophiques et théoriques.

Tannhäuser est son cinquième opéra et le deuxième de ses dix opéras principaux régulièrement joués à Bayreuth. Son titre complet est Tannhäuser et le tournoi des chanteurs à la Wartburg. Cet opéra a deux thèmes principaux : l’opposition entre amour sacré et amour profane, et la rédemption par l’amour, thème qui traverse l’ensemble de l’œuvre de Wagner. (source: wikipédia)

Loreto Aramendi plays Pilgrim's Chorus "Tannhaüser" - R. Wagner - Santísimo Sacramento, Buenos Aires

Vendredi 24 avril 2020 - 39ème jour du confinement

• La symphonie N°3 pour orgue de Camille Saint Saens

Charles Camille Saint-Saëns, né à Paris le 9 octobre 1835 et mort à Alger le 16 décembre 1921, est un pianiste, organiste et compositeur français de l'époque post-romantique. Il a écrit douze opéras, dont le plus connu est Samson et Dalila (1877), de nombreux oratorios, cinq symphonies, cinq concertos pour piano, trois pour violon et deux pour violoncelle, des compositions chorales, un Requiem, un Oratorio de Noël, de la musique de chambre et des pièces pittoresques, dont Le Carnaval des animaux. De plus, il occupe une place particulière dans l'histoire du septième art, puisqu'il est, en 1908, le tout premier compositeur de renom à composer une musique spécialement pour un film, L'Assassinat du duc de Guise.

 La Symphonie nº 3 en ut mineur op. 78, dite « avec orgue », est l'une des œuvres symphoniques les plus célèbres de Camille Saint-Saëns. Il s'agit, en fait, de la cinquième symphonie du musicien, ce dernier ayant répudié ses œuvres de jeunesse. Son écriture s'étend entre 1885 et 1886 et elle est dédiée à son ami Franz Liszt décédé le 31 juillet 1886. Il s'agit d'une commande de la Royal Philharmonic Society (Grande-Bretagne) et sa création eut lieu le 19 mai 1886 à Londres sous la direction du compositeur. La première en France a été faite à Paris en janvier 1887 par l'Orchestre de la Société des concerts du Conservatoire sous la direction de Jules Garcin avec le compositeur à la console.

Camille Saint Saëns Symphonie N°3 pour Orgue

Jeudi 23 avril 2020 - 38ème jour du confinement

• Ennio Morricone interprété au thérémine *

Ennio Morricone, né le 10 novembre 1928 à Rome, est un compositeur, producteur et chef d'orchestre italien. Il est réputé notamment pour ses musiques de films, en particulier celles réalisées pour son ami et camarade de classe Sergio Leone. Sur une carrière s'étalant sur plus d'un demi-siècle, la popularité de ses musiques depuis les années 1960 en a fait une des personnalités les plus importantes et influentes du cinéma italien, puis mondial.

GABRIEL'S OBOE - HOFFMAN'S THEREMIN

suivi de l'interprétation au violon par Lena Yokoyama en mode confiné 

Le Hautbois de Gabriel (Gabriel's Oboe) est le thème principal du film de 1986 Mission réalisé par Roland Joffé. Le thème a été écrit par le compositeur italien Ennio Morricone. Le thème a été considéré comme inoubliable et une mélodie de hautbois célébrée.

Lord Theremin performing "L'uomo dell'armonica" (Ennio Morricone) 

L'homme à l'armonica fait partie de la bande sonore du film "Il était une fois dans l'Ouest" (titre original : C'era una volta il West). Ce film italo-américain de Sergio Leone réalisé en 1968 et sorti en salle la même année en Italie et en 1969 dans le reste du monde, est considéré comme un chef-d'œuvre du western spaghetti, genre cinématographique initié par le réalisateur. Sa musique, créée par Ennio Morricone, reste aujourd'hui célèbre.

* Le thérémine a été présenté dans notre chronique J21. 

• Ray Charles

Ray Charles, pseudonyme de Raymond Charles Robinson, est né le 23 septembre 1930 à Albany (Géorgie) et mort le 10 juin 2004 à Beverly Hills (Californie). Il était un chanteur, compositeur, arrangeur et pianiste américain. Figure majeure de la musique afro-américaine, il aborda de nombreux genres musicaux durant sa carrière de plus de cinquante ans : le jazz, le gospel, le blues, la country ou encore le rhythm and blues. Il est en outre fréquemment considéré comme l'un des pionniers de la soul.

Atteint de cécité totale à l'âge de sept ans, Ray Charles suit une formation musicale classique dans sa jeunesse. Il se tourne ensuite vers le blues et connaît le succès au début des années 1960 avec des titres tels que Georgia on My Mind ou Hit the Road Jack. On lui attribue alors le surnom de Genius. Confronté à des problèmes de drogue, il se fait plus rare sur scène durant les deux décennies suivantes, avant de connaître à nouveau un succès international jusqu'à sa mort.

Ray Charles - Georgia On My Mind (Live)

Georgia on My Mind est une chanson composée en 1930 par Hoagy Carmichael sur des paroles de Stuart Gorrell. Elle est notamment connue pour l'interprétation qu'en a fait Ray Charles en 1960. Le gouvernement de Géorgie a choisi Georgia on My Mind comme hymne d'État (state song) le 24 avril 1979. Il fut d'ailleurs chanté par Gladys Knight lors de la cérémonie d'ouverture des Jeux Olympiques d'Atlanta le 19 juillet 1996.

The Blues Brothers (1980) - Shake a Tail Feather Scene (4/9) | Movieclips

Les Blues Brothers (The Blues Brothers), ou Les Frères Blues au Québec, est un film américain sorti en 1980. 

De nombreux chanteurs vedettes tels que James Brown, Cab Calloway, Aretha Franklin, Ray Charles et John Lee Hooker interprètent dans le film des chansons de rhythm and blues, soul et blues.

Mercredi 22 avril 2020 - 37ème jour du confinement

• La symphonie N+5 de Beethoven à l'Orgue du Temple de Sète.

Ludwig van Beethoven est un compositeur et pianiste allemand né à Bonn le 15 ou 16 décembre 1770 et mort à Vienne le 26 mars 1827.

La symphonie no 5 en ut mineur, op. 67, dite Symphonie du Destin, a été écrite entre 1805-1807. Au cours de cette période marquée par les guerres napoléoniennes (occupation de Vienne en 1805), Beethoven, au milieu de la trentaine, était de plus en plus frappé par la surdité. Cette symphonie a acquis une grande renommée dès les premiers temps qui ont suivi sa première exécution. Elle est au fil du temps devenue l'une des compositions les plus populaires de la musique classique et est fréquemment jouée et enregistrée.

Le premier mouvement Allegro con brio est l'un des plus intenses de l'histoire de la musique grâce à sa très célèbre cellule rythmique.

Ludwig van Beethoven : Symphonie n° 5  en Ut mineur (1° mouvement). 

Système automatique à rouleaux papier Aeolian Skinner 1903 (New York) installé à l'Orgue Jean-Baptiste Puget du Temple de Sète.

ou

La Cinquième comme vous ne l'avez encore jamais vue!  (bleufant!)

• La Fugue en Ré majeur pour orgue de Ludwig van Beethoven  (WoO31)

C'est la seule pièce solo que Beethoven a écrite pour l'orgue. C'est aussi l'une de ses premières compositions survivantes. Il a été supposé que cette fugue pour orgue avait été composée pour répondre aux exigences d'examen pour le poste de second organiste à la cour de Bonn, en février 1784.

Le travail est court; il présente un thème principal et plusieurs sujets mineurs, qui, malgré tout leur attrait baroque, ne révèlent guère la moindre trace du style mature du compositeur. Pourtant, la pièce, presque autant une étude qu'une composition sérieuse, a quelques moments remarquables. La fin, par exemple, propose une récapitulation occupée et assez convaincante des thèmes sur un point de pédale. En fin de compte, l'œuvre est intéressante comme moyen d'examiner le développement du jeune compositeur. Il a été publié à titre posthume.

Ludwig van Beethoven- Fugue in D major for organ WoO 31 (Orgue - Simon Preston)

• La sonate pour piano N° 14 de Beethoven

La sonate fut composée entre les Première et Deuxième Symphonies, dans la période de crise morale que traversait Beethoven qui prenait conscience de sa surdité débutante. Son succès fut considérable aussi bien auprès des critiques (qui parlèrent de « fantaisie d'une unité parfaite, inspirée par un sentiment nu, profond et intime, taillé d'un seul bloc de marbre ») que du public. L'appellation « Clair de lune » sous lequel elle est largement connue aujourd'hui, lui fut donné par le poète allemand Ludwig Rellstab en 1832, soit cinq ans après la mort de Beethoven. Rellstab voyait dans le premier mouvement de cette sonate l'évocation d'une « barque au clair de lune sur le Lac des Quatre-Cantons ».

LUDWIG VAN BEETHOVEN: MOONLIGHT SONATA - XAVER VARNUS (ORGAN)

Mardi 21 avril 2020 - 36ème jour du confinement

• Concerto en Ré majeur BWV 1053a: III. Allegro interprété par André Isoir.

Les Concertos pour clavecin, BWV 1052-1065, sont des concertos pour clavecin, cordes et continuo composés par Johann Sebastian Bach qui est l'un des précurseurs dans le genre du concerto pour clavier. 

Ces concertos sont joués de nos jours au clavecin, au piano-forte ou au piano. Bach disposait dès 1730 du second instrument au sein de l'orchestre qu'il dirigeait (le Collegium Musicum de Leipzig) et il n'est donc pas exclu qu'il ait pensé à celui-ci lors de la composition de certains de ces concertos.

André Isoir, né à Saint-Dizier le 20 juillet 1935 et mort le 20 juillet 2016, est un organiste et professeur français.Il a enregistré une soixantaine de disques, ce qui lui a valu d'obtenir le Grand Prix du Disque en 1972, 73, 74, 75, 77, 80, 89 et 91 ainsi que le prix du « Président de la République » pour Le Livre d'or de l’orgue français. Il s'est vu décerner en février 1974 le prix de composition des Amis de l’Orgue pour ses Variations sur un psaume huguenot. Il a notamment publié un enregistrement de l’intégrale des œuvres pour orgue de Bach, qui demeure une référence. Lors de ses très nombreux concerts, il tient également à jouer, aux côtés des compositeurs connus tels que Bach, Franck ou Marchand, des compositeurs plus confidentiels tels que Lefébure-Wély, Adrien Rougier, Gabriel Pierné ou Pierre Camonin2.

André Isoir complète sa culture musicale par une connaissance approfondie de la facture instrumentale ; celle-ci contribuant, selon lui, à une meilleure approche des différents styles musicaux tant au point de vue de la technique qu’à celui de la registration.

(Source: Wikipédia)

Concerto in D Major BWV 1053a: III. Allegro · André Isoir, Le Parlement de Musique and Martin Gester

• Le grand orgue de  l’église Saint-Eustache à Paris

 Vous pourrez visiter les entrailles de l’un des plus grands orgues de France. Vous découvrirez les détails du somptueux buffet dessiné par l’architecte Victor Baltard en 1854. La partie instrumentale est reconstruite en 1989 par la manufacture Van den Heuvel.

Le Grand Orgue de Saint Eustache

Lundi 20 avril 2020 - 35ème jour du confinement

• Stabat Mater de Jean-Baptiste Pergolèse . 

Giovanni Battista Draghi dit Pergolesi en italien, Jean-Baptiste Pergolèse sous sa forme francisée, né le 4 janvier 1710 à Jesi, dans la province d’Ancône, dans les Marches et mort le 17 mars 1736 à Pouzzoles près de Naples, est un compositeur italien du xviiie siècle. Le Stabat Mater, P. 77, est une œuvre musicale religieuse écrite par Giovanni Battista Pergolesi (Pergolèse) en 1736, deux mois avant sa mort, dans le monastère de Pouzzoles. Dernière œuvre du compositeur, qui meurt des suites d'une tuberculose à l'âge de 26 ans, elle est écrite pour deux voix chantées (traditionnellement soprano et alto, sans doute des castrats) et un petit ensemble instrumental comprenant cordes et basse continue. C'est aujourd'hui la composition la plus populaire de Pergolèse.

La version du "Stabat Mater" que Philippe nous propose, est chantée par une haute-contre* et un jeune soprano: " d'où cette pureté exceptionnelle dans le grain de voix, qu'on n'aurait pas eu avec une soprano. De l'or pur au niveau sonore. L'intensité du chant dans le deuxième mouvement "cuius animam" est tout à fait exceptionnelle. Bluffant!"

*En musique vocale, la haute-contre est la voix masculine dont la tessiture est plus aiguë que celle de ténor. Il ne s'agit en aucun cas d'une voix de castrat, ...

Stabat Mater - Pergolèse  interprété par René Jacobs et Sebastian Hennig

• La Sarabande de G.F Haendel

La Sarabande de Haendel, HWV 437, est une célèbre sarabande baroque pour clavecin seul, publiée en 1733 par le compositeur britannique d'origine allemande Georg Friedrich Haendel (1685-1759), extraite de la suite no 4 en ré mineur de ses neuf suites pour clavecin de 1733, HWV 434-442 (ne pas confondre avec l'air (sarabande) en mi majeur, pour violon et basse continue HWV4252).

G. F. Haendel, "Sarabande" from suite HWV 437 in D minor, Alessandro Chiantoni

Sa version pour orchestre symphonique du film Barry Lyndon de Stanley Kubrick en 1975, devient une des plus célèbres musiques de film de l'histoire du cinéma, avec un Oscar de la meilleure musique de film 1976.

BARRY LYNDON Sarabande

Dimanche 19 avril 2020 - 34ème jour du confinement

• Les Quatre Saisons (titre original italien : Le quattro stagioni) est le nom donné aux quatre concertos pour violon, composés par Antonio Vivaldi (1678-1741), Opus 8, no 1-4, qui ouvrent le recueil Il cimento dell'armonia e dell'invenzione — « La confrontation entre l'harmonie et l'invention ». 

Vivaldi -  Les 4 Saisons Seasons - Printemps / Spring -  J.Fischer

• Le Concerto pour luth en ré majeur , RV 93, est l'une des quatre œuvres mettant en vedette le luth solo écrit par Antonio Vivaldi . Vivaldi a écrit la pièce dans les années 1730, période durant laquelle il a écrit deux de ses autres œuvres mettant en vedette le luth: les trios pour violon et luth en sol mineur et do majeur.

Vivaldi: Concerto For Lute, 2 Violins And Continuo In D Major, RV 93 - 1. (Allegro giusto)

Samedi 18 avril 2020 - 33ème jour du confinement

• La Musique pour les Funérailles de la Reine Mary d'Henry Purcell

Henry Purcell, né le 10 septembre 1659 et mort le 21 novembre 1695, est un musicien et compositeur anglais, né et mort à Londres dans le quartier de Westminster. Bien qu'il ait incorporé des éléments stylistiques italiens et français dans ses compositions, Purcell a développé une forme proprement anglaise de musique baroque. Musicien complet, il éclipse par la qualité et la variété de son œuvre tout ce que ses contemporains ont pu écrire dans les genres qu'il a abordés : opéra, musique de scène, cantates profanes et religieuses, musique pour clavier ou musique de chambre. Il faudra attendre le XXe siècle avec Edward Elgar, Ralph Vaughan Williams et Benjamin Britten, pour qu'un compositeur d'origine anglaise égale la renommée de Purcell.

"Music for the Funeral of Queen Mary" est une œuvre musicale écrite en 1695  pour le service funèbre de la reine Marie II d’Angleterre. Cet anthem (une forme de motet anglais) comprend trois pièces pour chœur, ainsi qu'une pièce instrumentale (intitulée Canzona - cliquer sur le lien ci-dessous) qui a le caractère d'une marche funèbre.

La marche a été reprise au synthétiseur par Wendy Carlos (à l'époque Walter Carlos) pour le générique du film Orange mécanique de Stanley Kubrick (1971).

(Source: Wikipédia)

Music for the Funeral of Queen Mary (Purcell): from March to Canzona

Vendredi 17 avril 2020 - 32ème jour du confinement

• Le Chant de la terre de Gustav Malher

Gustav Mahler, né à Kalište dans l'Empire d'Autriche le 7 juillet 1860 et mort à Vienne le 18 mai 1911, est un compositeur, chef d'orchestre et pianiste autrichien.

Plus célèbre en son temps comme chef d'orchestre, son nom reste attaché aujourd’hui à une œuvre de compositeur dont la dimension orchestrale et l'originalité musicale jettent un pont entre la fin du xixe siècle et la période moderne. Il est l'auteur de dix symphonies et de plusieurs cycles de lieder.

Das Lied von der Erde (Le Chant de la terre) est une symphonie pour ténor, alto (ou baryton) et grand orchestre composée par Gustav Mahler d’après La Flûte chinoise de Hans Bethge. Il s’agit d’une suite de six lieder interprétés successivement par les deux chanteurs solistes. Les textes furent revus par Mahler selon son habitude.

Der Einsame im Herbst (Le solitaire en automne): ce mouvement lent dépeint l'homme seul avec ses souvenirs qui laisse échapper quelques larmes car même à l'abri au sein de la nature, il ne trouve pas encore la sécurité intérieure.

Source Wikipédia 

Thomas Hampson - Mahler - Das Lied von der Erde - Genève - 2012 (sous-titrage en français)

"Der Einsame im Herbst / Le solitaire en automne", Victoria Hall, Genève, Sept. 2012 

• La suite N°1 pour violoncelle - BWV 1007 de Jean- Sébastien Bach interprétée par Pablo Casals

Les six suites pour violoncelle seul (BWV 1007 à 1012) sont un ensemble de six œuvres de Jean-Sébastien Bach. Elles sont aujourd'hui considérées comme des classiques incontournables du répertoire du violoncelle moderne.

De 1717 à 1723, Bach est maître de chapelle à la cour du prince Léopold d'Anhalt-Köthen. Le prince est musicien et attentionné. Cette période heureuse de la maturité de Bach est propice à l'écriture de ses plus grandes œuvres instrumentales pour luth, flûte, violon (Sonates et partitas pour violon seul), clavecin (Le Clavier bien tempéré, livre I), violoncelle (Suites pour violoncelle seul) et les six Concertos brandebourgeois.  

En août 1954, à l'âge de 77 ans, Pau Casals (1876-1973) interprète le violoncelle en sol majeur de Bach à l'abbaye "Saint-Michel-de-Cuxa", un monastère situé au sud de la petite ville frontalière de Prades en pays catalan. Pau Casals s'est installé à Prades au début des années 40 après la guerre civile espagnole dans les années 30, et il y est revenu en tant que chef d'orchestre et violoncelliste au "Festival de Prades" dans les années 50. Un petit musée y est dédié à la mémoire de Pablo Casals.

Pau Casals était l'un des rares musiciens de musique classique  engagés à s'aligner politiquement sur le gouvernement américain. Il était un ardent partisan de la deuxième République espagnole dans les années 1930. À 85 ans, il a joué à la Maison Blanche pour J.F. Kennedy qui lui a décerné, deux ans plus tard en 1963, la "Médaille présidentielle de la liberté" .

On peut dire que cette performance filmée en 1954 (voir lien ci-dessous) n'est probablement pas le meilleur de Pau Casals. La plupart des critiques considèrent que les meilleures performances de Pau Casals sur Bach Cello Solo remontent à la fin des années 1930 et n'existent que dans les enregistrements audio sous le label EMI.

Source Wikipédia 

Pau Casals: Bach Cello Solo Nr.1, BWV 1007 (8.1954) III Courante

Jeudi 16 avril 2020 - 31ème jour du confinement

• La Sonnambula de Vincenzo Bellini:

Vincenzo Bellini est un compositeur italien de musique de la période romantique, né le 3 novembre 1801 à Catane (Royaume de Sicile), et mort le 23 septembre 1835 à Puteaux (France).

La sonnambula (La Somnambule en français) est un opéra semiseria en deux actes mis en musique par Vincenzo Bellini sur un livret de Felice Romani. Créée au Teatro Carcano de Milan le 6 mars 18311, il est considéré, avec Les Puritains et Norma, comme l’un des trois chefs-d’œuvre du compositeur catanese. Le livret est tiré de La Somnambule, un vaudeville d'Eugène Scribe (1819).

La partition prévoit l'utilisation de : 2 flûtes (dont 1 piccolo), 2 hautbois, 2 clarinettes, 2 bassons, 4 cors, 2 trompettes, 3 trombones, timbales, grosse caisse, cymbales, triangle, orgue, harpe, cordes. Coulisse (feux de scène) : 2 tambours, 4 cors.

Source Wikipédia

La Sonnambula: "Ah! non credea mirarti" - Vincenzo Bellini 

• Pâris et Hélène de Christoph Willibald Gluck

Christoph Willibald, Ritter [chevalier] von Gluck (et non Glück) est un compositeur bavarois d'opéra de la période classique, né à Erasbach, dans l'électorat de Bavière, le 2 juillet 1714 et mort à Vienne, dans l'archiduché d'Autriche, le 15 novembre 1787.

Il a transformé l'opéra avec sa célèbre réforme visant à introduire le naturel et la vérité dramatique. Il reste l'un des compositeurs les plus importants de la musique de la période classique dans l'aire germanophone avec Joseph Haydn, Wolfgang Amadeus Mozart, Karl Ditters von Dittersdorf, Franz Krommer et Carl Philipp Emanuel Bach. 

Paride ed Elena (Pâris et Hélène), Wq.391, est le troisième et dernier opéra italien de la réforme de Christoph Willibald Gluck, après Orfeo ed Euridice et Alceste. Comme ceux des deux autres, son livret fut écrit par Ranieri de Calzabigi. Inspirée des Héroïdes d'Ovide, l'œuvre raconte les événements survenus entre le Jugement de Pâris et la fuite de Pâris et d'Hélène vers Troie. La première eut lieu au Burgtheater de Vienne le 3 novembre 1770.

Source Wikipédia

Gluck: Paride ed Elena / Act 1 - "O del mio dolce ardor"

Mercredi 15 avril 2020 - 30ème jour du confinement

• Concerto pour clarinette en La majeur de Mozart:

Ce concerto a été composé entre le 28 septembre et le 7 octobre 1791, à l'attention de Anton Stadler, un cor de bassiste et clarinettiste virtuose que Mozart appréciait beaucoup. Ce dernier avait inventé, trois ans auparavant, avec Theodore Lotz, la clarinette de basset en la, formée d'une extension à sa clarinette en la qui permettait de rapprocher cette dernière d'un cor de basset et donc de jouer dans un registre plus grave. Cet instrument avait alors été baptisé « clarinette de basset » (à ne pas confondre avec la clarinette basse moderne). Mozart a probablement composé son concerto en prenant en compte les particularités de cet instrument : la clarinette de basset en la peut descendre jusqu'au do tandis que la clarinette en la ordinaire ne peut aller que jusqu'au mi (ces notes correspondent respectivement au la et au do du piano).

Source Wikipédia

 Mozart - Concerto pour Clarinette en La majeur (K622)

Sur des images aériennes des paysages sauvages du  Kenya en provenances du film Out Of Africa.

• Chorals Schübler de J.S Bach 

Les Chorals Schübler est le nom habituellement donné aux « Sechs Chorale von verschiedener Art » (Six Chorals de différentes façons) pour orgue (BWV 645–650), une collection de six préludes de chorals de Johann Sebastian Bach parue vers 1748.

Le titre « Chorals Schübler » vient du nom du graveur et éditeur Johann Georg Schübler qui apparaît sur la page de titre. Les six préludes sont pour orgue avec deux claviers et un pédalier, au moins cinq d'entre eux sont des transcriptions de mouvements de cantates de Bach :

A l'orgue, interprété par Jean Villa:

J.S BACH Choral Schubler "du veilleur" BWV 645 Wachet auf, ruft uns die Stimme

BWV 645 - Wachet auf, ruft uns die Stimme (Réveillez-vous, la voix des veilleurs nous appelle)

Ou en version jazz par Jacques Loussier:

 Chorals Schubler BWV 645 Choral N 1 (Reveillez-Vous La Voix Des Vei) 

En bonus de la part de LAOC!

Thème de OUT OF AFRICA - John Barry

Mardi 14 avril 2020 - 29ème jour du confinement

• Moldau de Bedrich Smetana interprété par  Marko Hakanpää à l'orgue Grönlund de l'Eglise St. Michael de Turku en Finlande.

La Moldau est le deuxième poème de  Ma patrie, cycle de six poèmes symphoniques composé entre 1874 et 1879 par le compositeur tchèque Bedrich Smetana (1824-1884) en référence au mythe fondateur patriotique de sa patrie la Bohême (actuelle République tchèque).

Cette oeuvre est interprétée au printemps tous les 12 mai, jour anniversaire de sa disparition, en ouverture du Festival du Printemps de Prague (plus important festival de musique classique de la République tchèque).. 

Moldau 

Lundi 13 avril 2020 - 28ème jour du confinement

• de Vivaldi, Orage d'été extrait des Quatre saisons d'après un arrangement d'Andrea Vittori et Emanuele Grafitti et joué par  40 Fingers (Matteo Brenci - Emanuele Grafitti - Marco Steffè - Andrea Vittori): "Techniquement magistral, original, un rendu hors du commun!"

40 FINGERS - Antonio Vivaldi - Estate / Storm (Official Video)   

• Ce chant russe, interprété à 4 voix par Pelagueïa, chant  pour un cosaque "qui demande à un corbeau de dire aux siens qu'il ne reviendra pas auprès de sa fiancée ni auprès de ses parents, car il s'est marié à une autre, à la terre, dans les sous-bois, la marieuse était une balle. Une sorte de plaidoyer pacifiste!                                                                                                                                                                                                                                                       Pelagueïa Sergueïevna Khanova, née le 14 juillet 1986 à Novossibirsk, est une chanteuse de folk russe. Elle est une des chanteuses russes les plus célèbres, qui revisite aussi le répertoire traditionnel de ce pays au patrimoine musical immense.                                                                                                    "Très slave, avec des basses tenues, très original, magistralement exécuté aussi, que ce soit par la qualité des voix comme par l'arrangement"

Pelagueïa - Sous le saule

Dimanche 12 avril 2020 - 27ème jour du confinement

En ce dimanche de Pâques, nous avons choisi de vous adresser un message en chansons de Paix, d'Amour et de Joie:

Quand les Hommes vivront d'amour... message de nos cousins et amis québécois.

Paroles et musique de Raymond Lesvesque, interprété par Félix Leclerc, Gilles Vigneault et Robert Charlebois.

Quand les hommes vivront d'amour est une chanson québécoise composée par Raymond Lévesque en 1956 alors qu'il vivait à Paris. Cette chanson a d'abord été enregistrée par Eddie Constantine avant que l'auteur la rende populaire à son propre compte. Cette chanson est l'œuvre de sa carrière et celle qui a assuré son succès.La chanson, qui appelle à la paix est teintée d'humanisme. C'est à propos de la guerre d'indépendance de l'Algérie que Raymond Lévèsque écrit cette chanson, Cette guerre qui été le déclenchement des décolonisations a inspiré bien des québécois et l'auteur n'y était pas insensible. La chanson deviendra certainement la chanson québécoise la plus connue de toute la francophonie

Quel monde merveilleux !

What a Wonderful World (de l'anglais signifiant « Quel monde merveilleux ») est une chanson de Bob Thiele, sous le nom George Douglas, et George David Weiss, enregistrée pour la première fois par Louis Armstrong et sortie sous forme de single au début de l'automne 1967.

Don’t worry ! Be happy !

Don't Worry, Be Happy (Ne t'inquiète pas, sois heureux) est une des chansons les plus connues de Bobby McFerrin.

Elle a été reprise par de nombreux artistes. Cependant, contrairement à l'idée reçue, cette chanson n'a pas été reprise par Bob Marley, puisqu'il était déjà mort au moment de sa sortie.

Voici une petite chanson que j'ai écrite,

tu pourrais vouloir la chanter note par note,

ne t'inquiète pas, sois heureux

dans chaque vie nous avons quelques problèmes,

quand tu t'inquiète , tu les doubles

ne t'inquiète pas, sois heureux

.....

LAOC se fait le relais du concert  que donnera ce soir le ténor italien Andrea Bocelli , à l'occasion de Pâques, dans le Duomo de Milan vide. La cathédrale de la Nativité-de-la-Sainte-Vierge de Milan est située au cœur d'une région très touchée par l'épidémie de coronavirus. Ce concert de chants sacrés intitulé Music For Hope sera retransmis dans le monde entier sur YouTube à 19 heures (en France). Pour ne pas rater cet événement, il suffit de cliquer sur le bouton "définir un rappel" sur la page YouTube de la vidéo (cliquer pour vous inscrire sur Music For Hope ).

Que la Paix règne sur la terre!

Que l'Amour règne parmi les hommes!

Que la Joie soit dans les cœurs!

Samedi 11 avril 2020 - 26ème jour du confinement

Nous vous proposons le Scherzo de G. Litaize, pièce N°7 des "12 Pieces pour Grand Orgue".

G. Litaize: Scherzo  interprété par Maria-Magdalena Kaczor

Gaston Litaize, né le 11 août 1909 à Ménil-sur-Belvitte (Vosges), mort le 5 août 1991 à Bruyères (Vosges), est un organiste, improvisateur, professeur et compositeur français.

Aveugle de naissance, Gaston Litaize commence l'orgue à 12 ans avec Charles Magin, puis il poursuit à l'Institut national des jeunes aveugles dans la classe d'Adolphe Marty ; enfin, son apprentissage se termine au Conservatoire de Paris avec Marcel Dupré pour l'orgue, ainsi que Georges Caussade et Henri Büsser. Il y remporte les prix d'orgue, d'improvisation, de fugue et de composition.

En 1938, il obtient le deuxième premier grand Prix de Rome de composition. En 1976, il est à l'orgue pour l'enregistrement de la Symphonie N° 3 de Camille Saint-Saëns sous la direction de Daniel Barenboim.

En hommage, à Gaston Litaize, l'organiste, et à défaut de disposer de cet enregistrement, voici celui  du Final de la Symphonie N°3 de Camille Saint Saens, interprété par le  Auckland Symphony Orchestra sous la direction de Peter Thomas avec Timothy Noon à l'orgue.

Saint-Saens: Symphony No. 3 "Organ" - Finale (Auckland Symphony Orchestra)  

Vendredi 10 avril 2020 - 25ème jour du confinement

Nous vous proposons aujourd'hui le dernier choral du Messie de Haendel "Worthy is the Lamb That Was Slain. Amen".

 Digne est l'Agneau qui a été sacrifié

et nous a rachetés pour Dieu par son sang,

de recevoir la puissance, les richesses, la sagesse,

la force, l'honneur,

la gloire, et la bénédiction.

Bénédiction, honneur, gloire et puissance

soient à celui qui est assis sur le trône

et à l'Agneau, pour les siècles des siècles. Amen 

Handel's MESSIAH: Worthy is the Lamb That Was Slain - Amen  

Le Messie (Messiah, HWV 56) est un oratorio pour chœur, solistes vocaux et orchestre, composé en 1741 par Georg Friedrich Haendel. C'est une de ses œuvres les plus populaires avec les suites Water Music (Musique sur l'eau) et Music for the Royal Fireworks (Musique pour les feux d'artifice royaux). Messiah est désormais considéré comme le chef-d'œuvre du genre oratorio

L'œuvre est divisée en trois parties, compilées de l'Ancien et du Nouveau Testament :

L'œuvre est écrite pour orchestre et chœur, avec cinq solistes (soprano, mezzo-soprano, contralto, ténor et basse), elle comprend une ouverture, une sinfonia pastorale et 51 récitatifs, airs et chœurs.

Source:Wikipédia

Pour clôturer, cette petite "perle" représentative de l'air du temps, offerte par le Chœur de Paris!

Mozart -Requiem lacrimosa confiné

Jeudi 9 avril 2020 - 24ème jour du confinement

Nous vous proposons le  "Cantique de Jean Racine" de Gabriel Fauré interprété par  la Maîtrise de radio France sous la direction de Sofi Jeannin avec Vincent Warnier à l'orgue. 

(Enregistré le 18 octobre 2016 à l'Auditorium de la Maison de la Radio à l'occasion des 70 ans de la Maîtrise)

Gabriel Fauré - Cantique de Jean Racine 

Le Cantique de Jean Racine, op. 11, est une pièce vocale composée en 1865 par Gabriel Fauré, alors âgé de 19 ans. Écrite pour chœur (soprano, alto, ténor et basse) avec piano ou orgue, cette pièce se situe dans la tonalité de ré bémol majeur.

Après une introduction jouée à l'orgue, le chœur entre pupitre par pupitre. À la quarantième mesure, après un pont instrumental, une partie centrale modulante intervient en la bémol majeur (puis si bémol mineur), où l'œuvre atteint son plus haut niveau expressif. Par un retour lent et solennel, la pièce évolue ensuite vers son caractère initial.

Dédiée à César Franck, la partition obtint le premier prix de composition au concours de sortie de l'École Niedermeyer de Paris, dont Fauré était élève

Le texte de Jean Racine (1639-1699) est en fait une paraphrase de l'hymne Consors paterni luminis datant du Moyen Âge. Attribuée à Ambroise de Milan, elle était chantée au début des matines (ou vigiles) de la férie tierce (c'est-à-dire du mardi).

Verbe égal au Très-Haut, notre unique espérance,

Jour éternel de la terre et des cieux,

De la paisible nuit nous rompons le silence :

Divin Sauveur, jette sur nous les yeux.

Répands sur nous le feu de Ta grâce puissante ;

Que tout l'enfer fuie au son de Ta voix ;

Dissipe le sommeil d'une âme languissante

Qui la conduit à l'oubli de Tes lois !

Ô Christ ! sois favorable à ce peuple fidèle,

Pour Te bénir maintenant rassemblé ;

Reçois les chants qu'il offre à Ta gloire immortelle,

Et de Tes dons qu'il retourne comblé.

On peut percevoir dans la paraphrase de la traduction française un jansénisme latent : la paternité divine n'est pas mentionnée explicitement chez Racine alors que l'original en parle deux fois. Là où l'hymne exhorte le croyant à se réveiller au cœur de la nuit pour prier et y chasser la pesanteur d'un sommeil pouvant mener à l'acédie, Jean Racine y voit le poids du péché. Enfin, si la lumière baigne la première strophe latine, écho du lumen de lumine du Credo, le texte français n'évoque que le jour éternel. Ces différences font ressentir un salut moins proche et un Dieu plus lointain dans la bouche de l'auteur du XVIIe siècle que dans l'original médiéval.

Mercredi 8 avril - 23ème jour du confinement

Nous "retransmettons" le concert spirituel de la Semaine Sainte organisé traditionnellement par LE BON MESSAGER, le journal du consistoire réformé du montalbanais: La Passion selon Matthieu de J. S. Bach, interprétée par le choeur et l'orchestre du  Collegium Vocale Gent sous la direction de  Philipp Herreweghe

Avertissement: la version proposée est sous-titrée en français. Par ailleurs, compte tenu de la durée de l'oeuvre, vous trouverez en fin de page des extraits parmi les plus célèbres.

J.S. Bach Matthäus Passion BWV 244

La Passion selon Matthieu (BWV 244) est un oratorio de Jean-Sébastien Bach) exécutée probablement pour la première fois le Vendredi saint 1727, c'est-à-dire le 7 avril 1727. Elle a été remaniée trois fois. La troisième version, définitive, a été créée en 1736.

Cette Passion selon  Matthieu, partition monumentale en deux parties, dont l'exécution dure environ 2 heures 45, compte parmi les grandes œuvres de la musique baroque.

D'inspiration protestante luthérienne, cette oeuvre est écrite pour des voix solistes, un double chœur (chœur divisé en deux groupes indépendants) et deux orchestres. Elle allie deux éléments : le texte de l'Évangile et les commentaires. La sobriété relative, très dynamique, de récitatifs chantés par l'Évangéliste, dans lesquels interviennent fréquemment les protagonistes du drame (les personnages impliqués dans l'action ainsi que la foule - turba -, représentée par le chœur, à l'antique), fait donc alterner comme sur une scène de théâtre, le chant soliste et des épisodes choraux très puissants et expressifs. Des arie da capo (airs à reprise), également chantés par les voix solistes, reviennent sur chaque moment important. De nombreux chorals luthériens, magnifiquement harmonisés par Bach, installent le tout dans la liturgie protestante du jour de la Passion (le Vendredi saint). Pour des raisons aussi bien dramatiques que liturgiques, Bach fait parfois s'entremêler ces éléments, dans une rencontre entre différents plans, ou comme des liens qu'il établit entre le ciel et la terre.

La compassion, la passion pour l'autre, et l'abandon à la douleur constituent l'idée maîtresse de l'œuvre. Qu'elles soient de joie ou de peine, amères ou libératrices, toute l'œuvre paraît baigner dans les larmes : cf. par exemple le célèbre air d'alto, très italien (Erbarme dich, mein Gott, « Aie pitié, mon Dieu », no 47), chanté après que l'apôtre Pierre, sous l'emprise de la peur, a renié trois fois le Christ, et s'est mis à « pleurer amèrement » (fin du récitatif de l'Évangéliste : « und weinete bitterlich »), au souvenir de l'annonce qui lui avait été faite, par le Christ, de ce reniement.

Compte tenu de la durée de cette oeuvre de près de 3 heures, nous vous en proposons quelques extraits parmi les plus marquants:

Passion selon Matthieu, choeur d'ouverture   (6 mn 43)

Bach - Matthäus Passion - 39. Aria A - Erbarme dich   (5 mn 57) 

Bach: Matthäus Passion -  Choral N°62 : wenn ich einmal soll scheiden*  (2mn23)

*Le jour qu'il me faudra quitter la terre..

Bach Matthäus-Passion - Chœur final: Nous nous asseyons en larmes..  (5mn17)

Mardi 7 avril 2020 - 22ème jour du confinement

• Nous partons aujourd'hui en Suisse et plus précisément à Lausanne pour une présentation de l'orgue de l'Eglise Saint François, sous la houlette de son organiste titulaire, Benjamin Righetti.

Présentation du Grand Orgue de Saint-François 

• Nous vous proposons d'écouter une pièce attribuée à Tomaso  VITALI, la Chaconne en sol mineur, transcrite pour violon et orgue par Benjamin Righetti, selon une version arrangée par Léopold Charlier adaptée par Ferdinand David.

VITALI Chaconne for violin (Kolly d’Alba) and organ (Righetti)

Tomaso Antonio Vitali (nommé Vitalino) (né le 7 mars 1663 à Bologne † 9 mai 1745 à Modène) est un violoniste et compositeur baroque italien de la fin du XVIIe et de la première moitié du xviiie siècle.

"La Chacone est un style musical basé sur une série de variations portées par un rythme de basses. Cela rappelle les Folias !  Il semble en effet que ce style ait eut plusieurs déclinaisons, ou tout simplement plusieurs noms, puisque d’autres adeptes, tels les fameux Couperin (oncle Louis et neveu François), l’assimilent aussi à la Passacaille. En effet Louis Couperin intitule une de ses pièces « chaconne ou passacaille » ; François Couperin fait de même dans sa première suite pour viole (passacaille ou chaconne).

Tout cela pour vous présenter une pièce bien connue des violonistes qui est le « tube » de Tomaso Antonio Vitali: la Chaconne en Sol mineur. Personne ne sait si Vitali en est vraiment l’auteur, mais le fait est qu’elle porte à présent son nom. Cela provient du fait que le copiste a rajouté sur la première page du manuscrit « Parte del Tomaso Vitalino », qui pourrait être Vitali ou pas.

La particularité de cette Chaconne est sa manière de changer de clefs, flirtant même (!) avec les Si bémol mineur et Sol bémol mineur, peu charactéristique de l’époque baroque, alors que les changements d’armatures sont plutôt l’apanage de l’époque romantique" [Marc Leblanc - lamusiqueclassique.com]

Lundi 6 avril 2020 - 21ème jour du confinement

• Nous vous invitons à découvrir cet instrument extraordinaire qu'est le thérémine.

Le thérémine, comment ça marche?

Le thérémine (ou theremin en anglais) est un des plus anciens instruments de musique électronique, inventé en 1920 par le Russe Lev Sergueïevitch Termen (connu sous le nom de « Léon Theremin »). Composé d’un boîtier électronique équipé de deux antennes, l'instrument a la particularité de produire de la musique sans être touché par l’instrumentiste. Dans sa version la plus répandue, la main droite commande la hauteur de la note, en faisant varier sa distance à l’antenne verticale. L’antenne horizontale, en forme de boucle, est utilisée pour faire varier le volume selon sa distance à la main gauche.

Trois pays seulement dans le monde ont des écoles de musique qui apprennent à jouer du theremine: la Russie, le Japon et l’Irlande .

 Léon Theremin le présenta à Vladimir Ilich Ulíanov, alias Lénine, qui fut impressionné par son son proche de la voix humaine. Il fit fabriquer 600 pièces et envoya Léon en tournée mondiale, comme ambassadeur de la nouvelle technologie soviétique.  (Source Wikipédia)

• Nous proposons d'écouter Katica Illlényl qui interprète au thérémine  O sole mio (parole de Giovanni Capurro et musique de Eduardo di Capua)

O sole mio - Katica Illényi

Katica Illényi est une violoniste, chanteuse, danseuse et joueuse de Theremin hongroise. Elle joue dans plusieurs genres musicaux, dont la musique folklorique, le klezmer et le jazz manouche. Elle a une formation classique. 

Voici d'autres enregistrement de cette artiste:

Il était une fois dans l'Ouest  

(Theremin: Katica Illényi Musique:Ennio Morricone - Katica Illényi & Gyor Philharmonic Orchestra)

West side story - Maria

(Musique de Leonard Berstein)

Dimanche 5 avril - 20ème jour du confinement

• Dans notre chronique du 16ème jour, nous vous avions proposé des titres du groupe ELP avec Keith Emerson à l'orgue Hammond. Nous vous proposons d'en savoir plus sur cet instrument.

70 ans de l'orgue Hammond  (Vidéo en VO sous-titrée)

Aux États-Unis, le début du XXe siècle est marqué par l’exode rural des populations noires américaines. Cette migration entraine la construction de nombreuses églises évangéliques, et un besoin important d’équiper ces édifices religieux à moindres frais. Conçu par Laurens Hammond, l’orgue du même nom est le premier orgue électromécanique. Son coût de fabrication est sensiblement inférieur à celui d’un orgue à tuyaux classique. Le premier modèle du genre, l’orgue Hammond A, voit le jour en 1935. Grâce à la demande des églises afro-américaines, son succès est immédiat. Les différents modèles de l’instrument s’écouleront à près de deux millions d’exemplaires.

Le principe de fonctionnement est celui de la roue phonique, basé sur un ensemble de 91 pignons entraînés par un moteur électrique alternatif synchrone qui cale sa vitesse de rotation sur la fréquence du courant (50 Hz en Europe, 60 Hz aux États-Unis), inventée au début du xxe siècle pour le telharmonium.

Lesdits pignons ont des nombres de dents différents. Ils tournent dans le champ magnétique émis par un aimant. Une bobine centrée sur chaque aimant sert ensuite de capteur pour le champ magnétique variable, ré-induit par les roues constituées d'un matériau ferromagnétique. Cette combinaison pignons/champ magnétique/capteurs donne le fameux son Hammond. Cet instrument est un orgue électromécanique muni d'un amplificateur et non un instrument électronique.

 L'orgue Hammond est souvent associé à une cabine Leslie (du nom de son inventeur Don Leslie), qui est un dispositif muni d'un haut-parleur fixe devant lequel tourne un plan incliné et parfois, pour les modèles plus récents, d'un haut-parleur rotatif destiné à créer des vibratos sans autre artifice électronique que la simple amplification et le mouvement de rotation. De plus, les cabines Leslie utilisent des amplificateurs à lampes qui ajoutent une distorsion naturelle (overdrive), ce qui est devenu un aspect intégral du « son Hammond ».

(Source Wikipédia)

• Comme illustration musicale de l'orgue Hammond, voici le chant " Amazing Grace" interprété par Rhoda Scott (Orgue Hammond) & La Velle (Piano et chant)

Amazing  Grace

Amazing Grace est l'un des cantiques chrétiens les plus célèbres dans le monde anglophone. La première publication des paroles écrites date de 1779. Associé à diverses mélodies au fil des années, il est aujourd'hui interprété sur la musique de New Britain.

Le thème de ce cantique évoque la rémission des péchés par la foi en Dieu, ce qui renvoie à l'origine de son écriture par John Newton, un pécheur repenti. John Newton (1725–1807) était initialement le capitaine d'un navire négrier et était connu pour sa débauche morale. Le 10 mai 1748, au cours d'une tempête dans l'Atlantique où son bateau faillit couler, il se convertit au christianisme. Après avoir survécu à cette tempête, il devint prêtre anglican et renonça au trafic d'esclaves, au point de devenir militant de la cause abolitionniste.

Une grande partie des paroles de ce cantique provient du Nouveau Testament. La première strophe par exemple renvoie à l'histoire du fils prodigue : dans l'évangile selon Luc, le père dit que « [son fils] était mort et il est vivant, il était perdu et il est retrouvé ». L'histoire de Jésus guérissant un aveugle, qui dit ensuite aux Pharisiens qu'il peut désormais voir, est racontée dans l'évangile selon Jean.

Voici ces paroles:

Vendredi 3 avril 2020 - 18ème jour du confinement

• Nous irons tout d'abord à Rio de Janeiro pour la rénovation du Grand Orgue de l'Eglise Notre Dame du Mont Carmel avec les facteurs d'orgue de Plaisance du Touch (32), Daniel Birouste, Michaël Fourcade et Bertrand Lazerme, ainsi que l'organiste Marc Chiron qui est aussi membre d'honneur de notre association.

Grand orgue ancienne cathédrale de Rio de Janeiro

• Nous écouterons maintenant le concerto en la mineur BWV 593 de Jean-Sébastien Bach

Les 5 concertos pour orgue BWV 592-596 sont des transcriptions pour orgue solo réalisées par Johann Sebastian Bach, de concertos composés par Johann Ernst de Saxe-Weimar (592-595)et Antonio Vivaldi (593-594-596).

Leur composition remonte probablement aux années 1713 à 1716 pendant lesquelles Bach était au service du duc Guillaume II de Saxe-Weimar.

C'est à cette époque qu'ayant accès à la riche bibliothèque musicale de la cour ducale, il découvre la musique italienne et se passionne pour de nombreux compositeurs italiens anciens ou contemporains : Legrenzi, Corelli, Torelli, les frères Marcello (Alessandro et Benedetto), Albinoni et tout spécialement Frescobaldi et Vivaldi (dont l'Opus 3, L'Estro armonico a été publié par Estienne Roger à Amsterdam en 1711).

Cette découverte marque une étape importante de l'évolution de son style. Il recopie intégralement les Fiori musicali de Frescobaldi, et transcrit pour les instruments à clavier (clavecin et orgue) des concertos avec orchestre - principalement pour violon - afin de les jouer lui-même. Selon Forkel, Bach se serait livré à ce travail afin de se perfectionner. Alberto Basso considère cependant que ce travail peut résulter plutôt d'une commande du jeune Johann Ernst de Saxe-Weimar (dont plusieurs concertos sont transcrits) en arguant du fait que Bach aurait eu peu à apprendre d'un musicien amateur, certes très doué, mais plus jeune que lui et évidemment moins expérimenté.

Quelle qu'en soit l'origine, c'est dans ce contexte qu'apparaissent les 5 concertos pour orgue BWV 592-596 ainsi que les 16 concertos numérotés BWV 972 à 987 (dont la majorité sont des arrangements d'œuvres de Vivaldi).

(Source : Wikipédia)

Concerto en la mineur BACH BWV 593

Jeudi 2 avril 2020 - 17ème jour du confinement

Nous vous amenons à Albi pour une visite des Grandes Orgues de la Cathédrale Sainte Cécile.

Suivons notre guide du jour, Frédéric Deschamps, l'organiste titulaire de ces Grandes Orgues construites entre 1734 et 1736 par Christophe Moucherel.

 Grandes orgues de la Cathédrale Sainte Cécile d'Albi

Nous vous proposons maintenant d'écouter une composition de Johann Pachelbel.

Johann Pachelbel est un compositeur et organiste allemand de la période baroque, né le 1er septembre 1653 à Nuremberg (alors une ville libre d'Empire) et mort dans la même ville le 3 mars 1706. Il est surtout connu du grand public pour son fameux Canon et gigue en ré majeur pour trois violons et basse continue, couramment appelé Canon de Pachelbel. (Source: Wikipédia)

Pachelbel's Canon in D on the organ of St Ann's Church, Manchester

Mercredi 1er avril 2020 -16ème jour du confinement

Nous vous proposons aujourd'hui  une visite guidée du Grand Orgue Pierre-Beique de l'Orchestre symphonique de Montréal. L'organiste en résidence, Jean-Willy Kunz, vous en montre les secrets. 

Grand Orgue Pierre-Beique

Nous avions jusqu'à présent puisé dans le répertoire classique des œuvres pour orgue. Mais, il y a aussi, comme nous l'a fait remarqué Jean-Pierre, de très bons organistes Rock, passés très souvent par le conservatoire de leurs pays. En particulier Keith Emerson qui avec le groupe ELP enregistra l'album "Pictures at exhibition".

"Pictures at an Exhibition" est le premier album live du groupe anglais de rock progressif, Emerson, Lake and Palmer, sorti en novembre 1971. 

Les titres reprennent ceux d'un cycle de pièces pour piano intitulé Tableaux d'une exposition écrit par le compositeur russe Modeste Moussorgski en juin-juillet 1874 et arrangés par les musiciens du groupe. Seul le rappel, Nutrocker , est une adaptation en version rock faite par Kim Fowley d'un extrait du ballet Casse-noisette de Piotr Ilitch Tchaïkovski. 

En voici quelques titres:

Promenade

The Sage

Blues Variations

Nutrocker

Mardi 31 mars 2020 : 15éme jour du confinement

Sur la suggestion d'Hélène et Daniel, nous vous proposons aujourd'hui 2 extraits du Messie de Haendel:

1.     "Every valley shall be exalted..." Esaie 40: 4-5

C'est à ces versets que Martin Luther King fait référence dans son fameux discours "I have a drean!", discours prononcé le 28 août 1963 devant le Lincoln Memorial, à Washington, D.C., durant la Marche sur Washington pour l'emploi et la liberté.

« I have a dream that one day every valley shall be exalted, and every hill and mountain shall be made low, the rough places will be made plain, and the crooked places will be made straight, and the glory of the Lord shall be revealed and all flesh shall see it together. »

Traduction:  « Je fais le rêve qu'un jour chaque vallée s'élèvera et chaque colline et montagne sera aplanie, les endroits rugueux seront lissés et les endroits tortueux redressés, et la gloire du Seigneur sera révélée et tous les êtres faits de chair la verront ensemble. »

2.     "His Yoke is easy and His Burthen is light" ("Son Joug est facile et son Fardeau est léger") - Matthieu 11:28-30

 "Venez à moi vous tous qui peinez sous la charge: moi,  je vous donnerai le repos. Prenez sur vous mon joug et laissez vous instruire par moi, car je suis doux et humble de cœur, et vous trouverez le repos. Car mon joug que je vous invite à prendre est facile à porter et le fardeau que je vous propose est léger". 

Vous pouvez joindre à la musique des notes celle des mots en écoutant le Pasteur Schlumberger! 

Lundi 30 mars: 14ème jour

Nous vous proposons de pénétrer au cœur de ce magnifique instrument qu'est l'orgue avec le film "Mécanique et acoustique de l'orgue".

Ce film présente le fonctionnement de l'orgue avec André Isoir qui donne des exemples musicaux (assez cocasses !) et des explications sur le fonctionnement de l'instrument et des tuyaux.. 

C'est la copie d'une K7 éditée dans les années 1990 par le département de l'Eure. (K7 qui a beaucoup servi !) 

Avant de nous quitter et afin de patienter jusqu'à demain, voici le Laudate Dominum de Mozart suivi de l'Alléluia du Messie de Haendel avec la sublime Barbara Hendrix.

Lundi 23 mars : 7ème jour de confinement

Nicolaus BRUHNS (1665 - 1697) -      Praeludium in e minor

Bruhns est né à Schwabstedt (danois: Svavsted ), une petite colonie près de Husum . Il venait d'une famille de musiciens et compositeurs. Son grand-père, Paul Jakob Bruhns (décédé en 1655), travaillait comme luthiste à Lübeck . Ses trois fils ont tous choisi des carrières musicales; Le père de Bruhns, également nommé Paul (1640 – c. 1689), est devenu organiste à Schwabstedt, peut-être après avoir étudié avec Franz Tunder . Nicolaus était apparemment un enfant prodige: selon Ernst Ludwig Gerber , il pouvait jouer de l'orgue et composer des œuvres compétentes pour le clavier et la voix dès son plus jeune âge. Il a probablement reçu ses premières leçons de musique de son père. 

 À seize ans, Bruhns, avec son frère cadet Georg (1666-1742), a été envoyé à Lübeck pour vivre avec leur oncle Peter, qui enseignerait à Bruhns le violon et la viole de gambe . Les deux frères ont également étudié l'orgue et la composition; Georg sous Bernhard Olffen, organiste de St. Aegidien, et Nicolaus sous Dieterich Buxtehude . Ce dernier, l'un des meilleurs compositeurs de son temps, a été tellement impressionné par les talents et les progrès de Bruhns qu'il l'a considéré comme son meilleur élève et l'a finalement recommandé pour Copenhague . Là, Bruhns a travaillé comme organiste et violoniste. Le 29 mars 1689, il concourut pour le poste d'organiste de la Stadtkirche à Husum et fut unanimement accepté. En quelques mois, on lui a offert un poste au Kiel , mais a décliné lorsque les autorités de Husum ont augmenté son salaire. Bruhns est

resté à Husum jusqu'à sa mort prématurée en 1697, à l'âge de 31 ans.

Les œuvres pour orgue comprennent quatre praeludia et une fantasia chorale sur l'hymne " Nun komm, der Heiden Heiland ". La plus importante de ces pièces est la plus grande des deux praeludia en mi mineur, qui est généralement citée comme l'une des plus grandes œuvres de la tradition d'orgue du nord de l'Allemagne . Bien que le fils de Johann Sebastian Bach , Carl Philipp Emanuel Bach, ait affirmé que son père admirait et étudiait le travail de Bruhns, aucune influence directe n'a été retrouvée par les chercheurs. (source : Wikipédia)

Mardi 24 mars: 8ème jour 

Dietrich BUXTEHUDE (1637 - 1707)-     Ciacona in  BuxWV 160

Dieterich Buxtehude, né vers 1637 à Helsingborg ou Buxtehude ou Oldesloe et mort le 9 mai 1707 à Lübeck, est un musicien, organiste et compositeur allemand d'ascendance danoise. Établi à Lübeck, l'une des villes les plus actives sur le plan musical en son temps, il compose pour la liturgie, mais aussi pour des concerts spirituels ou profanes plaisant au public local, notamment les Abendmusiken, veillées musicales de l'Avent dont il fait une institution qui se perpétue jusqu'au xix^e siècle.

L'un des musiciens les plus reconnus en son temps, il entretient de fructueuses amitiés musicales, comme avec Johann Adam Reinken, et attire de nombreux élèves parmi lesquels on compte Nicolaus Bruhns et sans doute Jean-Sébastien Bach. Son œuvre, dont une partie importante nous est parvenue, compte parmi les plus riches d'Allemagne pour la génération située après Sweelinck et Schütz et avant Bach, avec celles de Reinken et de Pachelbel. Cette œuvre est devenue un classique du répertoire d'orgue. En ce qui concerne les nombreuses pièces de musique vocale, elles ont commencé à retrouver la faveur des interprètes et du public autour des années 1970, grâce, notamment, aux recherches effectuées autour de la musique baroque, dans les années 1960-1970 et avant, par les musicologues et les interprètes de ces périodes aussi bien qu'actuellement.(source : Wikipédia)

Mercredi 25 mars: 9ème jour

Louis Nicolas CLERAMBAULT ( 1676 - 1749) -      Suite du 2ème Ton  (Grand Plein Jeu -  Duo -  Trio -  Basse de Cromorne -  Flûtes -  Récit de Nazard -  Caprice sur les Grands Jeux)

Clérambault est le plus connu d’une grande famille de musiciens français où l’on se transmettait le métier de père en fils, attachée au roi depuis Louis XI. Avec son père Dominique Clérambault et ses fils César François Nicolas et Évrard Dominique, il apprend très jeune le violon et le clavecin ; à l'orgue, il est l’élève d'André Raison, organiste de l’abbaye de Sainte-Geneviève et des Jacobins de la rue Saint-Jacques. Il étudie aussi la composition et le chant avec Jean-Baptiste Moreau. En 1710, Louis XIV, ayant entendu une de ses cantates, en fut si content qu’il lui ordonna d’en composer plusieurs pour le service de sa chambre, et le nomma surintendant de la musique particulière de Madame de Maintenon. Organiste de l’église des Grands-Augustins depuis 1704, il succède à Nivers mort en 1714, aux orgues de Saint-Sulpice et à la maison royale de Saint-Cyr, malgré l’obtention par ce dernier de la survivance de ce poste au profit de son neveu et héritier, Jean-Baptiste Totin. Il y est responsable de la musique, tient l’orgue, fait répéter les chants et les chœurs... C'est à ce poste, qui lui est confirmé après la mort de Madame de Maintenon, qu’il développe le genre de la « cantate française », dont il est le maître incontesté. C'est par ce genre de composition que Clérambault s’est illustré : il en a publié cinq livres parmi lesquels on trouve celle d’Orphée, qui a eu beaucoup de vogue. Il succède en 1719 à son maître André Raison aux orgues de l’église des Grands-Jacobins. Il est connu pour être le premier maître de la sonate et de la cantate françaises, inspirées des modèles italiens, mais adaptées à l'esprit français, selon les principes de la « réunion des goûts » prônée par François Couperin. « S'il ne possède pas le génie ardent de Couperin, il est sans doute l'un de ceux qui réussissent la plus séduisante synthèse de la noblesse polyphonique française avec la souplesse lyrique et l'art du développement des Italiens, dans la tonalité d'une sensibilité gracieuse. » (source : Wikipédia)

Jeudi 26 mars: 10ème jour

Johann Sébastian BACH (1685 - 1750)  -    Choral « Nun komm der Heiden Heiland » BWV 659

Né à Eisenach, Jean-Sébastien Bach a fait des études générales brillantes : latin, grec , lettre … et musique. Simultanément il apprend le violon avec son père, le clavecin et l’orgue avec son frère Johann Christoph, la composition avec Helder . A quinze ans, sa jolie voix lui vaut un engagement à Lüneburg où il travaille la composition et l’orgue. Mais surtout, il lit et copie beaucoup de musiques, habitude qu’il conservera jusqu’à la fin de sa vie : des Allemands (Buxtehude, Böhm), des Français (Grigny, Couperin), des Italiens (Albinoni, Vivaldi).

Choral et polyphonie sont les dimensions privilégiées de l’œuvre de Bach, qui constitue le plus formidable travail de synthèse de l’histoire de la musique. A la fois aboutissement et point de départ d’une culture prodigieuse, son œuvre forme la clef de voûte de l’histoire musicale européenne.

Il faut rappeler que Bach était croyant, grand connaisseur des Ecritures et respectueux des dogmes. Son œuvre pour orgue est essentiellement liée à la pratique de la liturgie et à sa foi luthérienne .

Vendredi 27 mars: 11ème jour

Louis-Claude DAQUIN (1694 - 1772)  -    VIIIème Noël étranger : Grand jeu et Duo

Louis-Claude Daquin est le fils de Claude Daquin, bourgeois de Paris d'origine juive, et d’Anne Tiersant. Les Daquin sont des d'Aquino venus d'Italie. Un de ses grands oncles est professeur d'hébreu au Collège de France. Il commence une carrière d’enfant prodige en étant présenté à la cour de Louis XIV à l’âge de six ans, comme avant lui Élisabeth Jacquet, sa marraine, et Jean-François Dandrieu.

Il épousa en 1722 Denise-Thérèse Quirot, fille d'un greffier des bâtiments. Il était alors organiste du roi en la chapelle royale du Palais et ordinaire de la musique du prince de Conti.

Il cumula les titres prestigieux : préféré à Rameau au poste d'organiste de l'Église Saint-Paul-Saint-Louis, à Paris, il succède à son ancien maître Louis Marchand en 1732 à l'orgue des Cordeliers, à Jean-François Dandrieu en 1739 à la Chapelle Royale, puis devient titulaire des orgues de la cathédrale Notre-Dame de Paris en 1755 comme successeur de Guillaume-Antoine Calvière. Virtuose éblouissant aux claviers, il est hautement apprécié de l'aristocratie et son jeu à l'orgue attire des foules considérables.

De nombreuses œuvres vocales et instrumentales connues par les documents d'époque sont actuellement perdues. Parmi les œuvres qui nous sont parvenues pour l'orgue, un recueil de noëls variés Nouveau Livre de noëls (1757) qui est le plus abouti de ce genre typiquement français. (source : Wikipédia)

Samedi 28 mars: 12ème jour

Johann Sébastian BACH  ( 1685 - 1750) -   V^ème  sonate en trio BWV 529 ( Allegro -  Largo -  Allegro)

Les Sonates en trio pour orgue sont parmi les pièces pour orgue les plus remarquables écrites par Jean-Sébastien Bach.

Elles sont le sommet de l'art du contrepoint, à exécuter par un unique interprète. Elles sont réputées pour leur extrême difficulté technique, redoutées par tous les organistes, programmées dans toutes les épreuves et concours d'orgue. Elles nécessitent en effet une grande maîtrise et une grande concentration du fait de l'indépendance requise pour jouer chacune des trois voix simultanément : une voix pour la main gauche, une voix pour la main droite et une voix au pédalier. Elles ont été enregistrées par les plus grands organistes et représentent la référence en matière de virtuosité organistique. Elles constituent sur le plan purement musical un essai de synthèse entre le style rigoureux contrapuntique et le style galant italien, certains mouvements lents pouvant être considérés comme une préfiguration du style romantique à venir.

·         Sonate en trio (n° 1) en mi bémol majeur, BWV 525 : (Allegro moderato) - Adagio - Allegro

·         Sonate en trio (n° 2) en ut mineur, BWV 526 : Vivace - Largo - Allegro

·         Sonate en trio (n° 3) en ré mineur, BWV 527 : Andante - Adagio e dolce - Vivace

·         Sonate en trio (n° 4) en mi mineur, BWV 528 : Adagio, Vivace - Andante - Un poco allegro

o    L'Andante en ré mineur BWV 528a est une variante de l'Andante (3^e mouvement) de BWV 528

·         Sonate en trio (n° 5) en do majeur, BWV 529 : Allegro - Largo - Allegro

·         Sonate en trio (n° 6) en sol majeur, BWV 530 : Vivace - Lento - Allegro

Bach a écrit peu de sonates en trio pour d'autres instruments, bien que l'on puisse considérer les sonates pour violon et clavecin concertant (BWV 1014 à BWV 1019) comme appartenant à ce genre.

Au sujet d'une transcription pour violon, alto et clavecin que R. Todt a réalisée des sonates BWV 525 à 530, le musicologue Karl Geiringer a écrit : « on peut se demander si de tels arrangements ne sont pas mieux faits pour révéler les beautés compliquées de ces œuvres admirables que la propre composition de Bach pour orgue. » (source : Wikipédia)

Dimanche 30 mars: 13ème jour

Johann Sébastian BACH  ( 1685 - 1750) - Prélude et fugue en Ut majeur BWV 47 

Le prélude et la fugue en ut majeur, BWV 547, est une œuvre mature avec un prélude contrastant avec une touche légère et une fugue mature, dit Kenyon. Spitta l'a classée comme "l'une des quatre créations [prélude et fugue] prodigieuses", avec BWV 544, 548 et 552. Cependant, "elle n'a été jouée régulièrement qu'il y a cinquante ans", dit Stinson, en raison de sa «scolastique perçue au sein de la fugue, qui est en tout cas l'un des mouvements les plus complexes de Bach». Outre l'œuvre en si mineur, BWV 544, son «artifice contrapuntique» a été exploité par Wagner dans le prélude Die Meistersinger , qui est «une application de Bach» et pour l’opéra dans son ensemble, «une continuation de Bach», dit Wagner.  (Source : Bach Cantatas Website)

Dimanche 22 mars 2020: 6ème  jour du confinement

 La Toccata et fugue en ré mineur, BWV 565, est une œuvre pour orgue écrite par Jean-Sébastien Bach entre 1703 et 1707

L'œuvre est articulée en trois parties :

·         Un épisode de 29 mesures, constitué de gammes, arpèges, d'un style récitatif, rhapsodique, en accords dissonants, au style de toccata (prestissimo) ;

·         La fugue, de 97 mesures, avec un épisode en forme de toccata (mesures 59 à 85) ;

·         La conclusion (mesures 127 à 143), retourne au style récitatif (indiqué expressis verbis) en dynamiques opposées (presto – adagio – vivace – molto adagio…) et très rapprochées.

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La toccata (de l'italien toccare toucher), est une pièce musicale pour instruments à clavier de style improvisé et virtuose — arpèges, traits, pédale, etc. Originellement destinée à permettre à un instrumentiste de prendre contact avec un instrument, cette forme dérive ensuite pour devenir une démonstration du talent de l'interprète et permettre de faire apprécier les qualités de l'instrument.

Klaus Eidam avance l'hypothèse que l'œuvre de Bach a été écrite afin de mettre à rude épreuve la mécanique des orgues ainsi que le son et la jouabilité de l'instrument. En effet, on a souvent affirmé qu'avant de jouer sur un instrument, Jean-Sébastien Bach tirait tous les jeux de l'orgue afin d'en évaluer la puissance et la suffisance de vent produite par les soufflets. La toccata et fugue BWV 565 de Bach aurait été une œuvre créée à l'origine pour le clavecin puis transposée à l'orgue pour augmenter l'effet spectaculaire. (Source: wikipedia)